notas de paso

Mutaciones

2011-07-02T05:22:00.005+02:00

Entiendo poco de fútbol, pero ¿alguien me puede explicar esto?

Decíamos ayer...

2011-06-30T05:31:00.005+02:00

Hace un mes y medio, el Suplemento Ñ de Clarín publicó un artículo mío (el primero en muchísimo tiempo), dedicado al jazz en Europa.

El artículo salió titulado como "Jazz Europeo: Repaso y Breve Recorrida" y puede leerse haciendo click sobre el título.
Algunas aclaraciones: el título original iba a ser "El surgimiento del jazz europeo" porque precisamente habla de ese período inicial y no pretende ser una historia exhaustiva, algo inabarcable en tan poco espacio.
Una pequeña errata de la cual soy enteramente responsable, quedó en la edición impresa. Cuando me percaté del error, ya no había tiempo de corregirlo. Consiste en adjudicar a Gabor Szabo la autoría del tema Breezin', que en realidad fue compuesto por Bobby Womack. El error se originó en que fue Szabo el primero en grabar el tema y la versión posterior de George Benson, aunque no idéntica, guardaba una gran relación con aquella. Si bien la autoría es un detalle no menor, le cupo a Szabo el mérito por haber introducido la canción, y ese era el sentido del párrafo.
En la foto: Charles Delaunay.

Bill Frisell, de Seattle a Bagdad

2010-06-26T19:57:00.002+02:00

Gran entrevista a Bill Frisell, a cargo de Philip Bither, curador del Walker Art Center, de Minneapolis, un centro destinado a la promoción de las artes escénicas, en el que Frisell estuvo presentando su "Baghdad/Seattle Suite", junto al violinista Eyvind Kang y el oudista iraquí Rahim Al Haj (ver clip aquí).
Frisell es un extraordinario músico, eso está fuera de duda, y para quien conoce su música, también está claro que es un hombre por demás reflexivo e inteligente. Sin embargo, Frisell no es precisamente un personaje verborrágico, más bien se toma su tiempo para contestar. Esto no obsta para que esta larga entrevista (70 minutos, en inglés y con subtítulos en inglés, con algunos errores en nombres propios, pero muy entendible) sea verdaderamente disfrutable.
Que Frisell no sea locuaz no quiere decir que no diga cosas interesantes. Las dice, y muchas. Un segmento particularmente emotivo es aquel en que habla de Jim Hall, de su dimensión musical, y de su relación con él a lo largo del tiempo.
Gran mérito de Bither, que conduce muy bien la entrevista. Dicho sea de paso, este señor (Bither), se ocupa de la programación del centro. Personas con ese nivel de preparación deberían ser la regla, y no la excepción en las tareas de dirección y programación de centros artísticos, pero bueno, por algo es mundo es mundo.

Gente

2010-06-06T03:59:00.004+02:00

Esto de la crisis española ya está pasando a mayores. Pocos días después de que Zapatero hiciera anuncios de drásticos recortes en el gasto público, incluyendo baja de salarios a funcionarios y congelamiento de las pensiones (yendo incluso más allá que Berlusconi, según parece), el PP, que hace rato venía reclamando estas medidas, se ha puesto firme nuevamente, porque esto era lo que pedían pero no, no es suficiente o bueno, no se sabe bien, pero no.
En la sesión del Senado del 25 de mayo, mientras Argentina celebraba el Bicentenario, tras un fuerte intercambio de palabras entre Zapatero y Pío García-Escudero, jefe de la bancada opositora, la cosa se disparó. Los senadores del PP empezaron a gritar "¡Zapatero Dimisión!" y los del PSOE les retrucaron al grito de "¡Gürtel!", en alusión a la trama de corrupción que involucra a unos cuantos dirigentes del PP, incluyendo al propio García-Escudero, y que (cosas de la vida) estaba siendo investigada por Baltasar Garzón.
La batahola recién terminó después de la reprimenda de Javier Rojo, presidente del Senado, (del PSOE obviamente, en el PP jamás aceptarían a alguien con ese apellido).
Endemientras (se dice así ¿no?), Rita Barberá, la carismática alcaldesa de Valencia, dijo que Zapatero "es un incompetente, ignorante, inmoral político y miserable" que lleva a España a "la quiebra real".
Lo que se dice, gente "de centro" (o más bien que hace "tiro al blanco"), en fin, gente linda, gente como uno (que no soy yo...espero).

PD: dedico este post a mis amigos argentinos, para que vean que el infierno también está globalizado.

Rubén Juárez (1947-2010)

2010-05-31T17:17:00.004+02:00

Mi querido viejo tenía este disco y solía escucharlo, y a mí, que era chico (y como tal no debía gustarme el tango), me gustaba, especialmente este tema. Tanto que a veces lo ponía a escondidas, cuando todos dormían.

Hank Jones (1918-2010)

2010-05-17T16:29:00.003+02:00

Se acaba de ir el venerable Henry "Hank" Jones, un par de meses antes de cumplir 92 años. El último (y el mayor) de esa trilogía maravillosa que formó junto a sus hermanos Thad y Elvin y que tanta música (y felicidad) regaló a la humanidad.

Carla Bley en París

2010-04-28T04:05:00.002+02:00

Gracias al amigo Antonio Martín, de jazz_sp, me entero de esta página del canal Arte, en donde cuelgan conciertos de jazz y otros géneros.

El último es uno de Carla Bley en la Salle Pleyel, de París, con su grupo The Lost Chords (Carla Bley en piano y composición, Andy Sheppard en saxos, Steve Swallow en bajo eléctrico y Billy Drummond en batería). Hace algunos años grabaron el CD "The Lost Chords find Paolo Fresu", en que el cuarteto se transformaba en quinteto gracias al agregado del trompetista sardo.
Tuve la inmensa suerte de ver a este grupo en Madrid hace un par de años y esta es una magnífica oportunidad de revivir ese momento.

¿Cuanto cuesta la producción de un disco independiente?

2010-04-23T19:44:00.001+02:00

Acabo de recibir un mail de Máximo Rodríguez, bajista y compositor argentino, a quien tengo el gusto de conocer desde hace muchísimos años. Además de sus virtudes musicales y personales, me consta que Máximo es un luchador, un tipo que desde hace muchos años y contra todas las adversidades, está generando cosas, componiendo, formando grupos, colaborando con otros, grabando discos, enseñando.

Su mensaje se refiere a lo que ocurre en relación a la producción independiente de música, actividad cuyos detalles de todo tipo son en general desconocidos por casi todos los que no son músicos o productores, lo que da lugar a malentendidos diversos.

Transcribo a continuación el mensaje de Máximo, y para quienes quieran conocerlo, los invito a visitar su página y su sitio en MySpace.

Cuanto “cuesta” la producción de un disco independiente.

La realidad que nos impulsa a muchos músicos de diversos géneros a producir nuestros discos en forma independiente se podría resumir de la siguiente manera:

No hay ningún sello discográfico ni compañía multinacional que tenga interés en invertir en una producción que no le proporcione ganancias a corto plazo. No les interesa productos de una orientación artística, (cualquiera fuera el genero de esta) sino solo aquellos que se denominan “comerciales” (de rápida venta).

No tenemos tampoco aquellos que nos dedicamos a realizar producciones independientes el dinero que significa una campaña de prensa en diarios, revistas, radios etc, dado que las mismas se cobran y en general suelen salir ($$$) mucho mas que una edición independiente.

Tampoco es fácil conseguir un subsidio del estado (fondo nacional de las artes, etc) por la gran cantidad de trámites burocráticos que hay que realizar.

Entonces nosotros tenemos que encargarnos de:

Componer y arreglar la música.

Buscar los músicos indicados para llevar a la práctica ese pedazo de papel que solo será eso hasta el momento que un músico la interprete.

Lograr ensayar una cantidad de veces suficiente para que dicha música suene lo suficientemente fluida. Esto implica además combinación de horarios con los músicos, cosa nada sencilla.

Conseguir un estudio de grabación que por infraestructura y precios este a nuestro alcance.

La grabación de un disco implica cantidad de horas, que dependiendo del nivel de los músicos a intervenir, puede fluctuar entre las 30 y las 200 horas solo de grabación.

Después viene la mezcla del mismo que llevara otras tantas horas de trabajo para luego terminar con la masterizacion. Este detalle final nos puede llevar entre 20 a 50 horas más de estudio.

Luego de este proceso el artista en cuestión tiene que pensar en el diseño grafico del disco. Para esto tendrá que contar con un diseñador que se dedique a la producción de discos y con el tendrá que sentarse para pensar en: Tapa del CD, colores, textos, fotos, contratapa, información de los temas etc.

Una vez terminado este trabajo tendrá que buscar una imprenta dedicada a la impresión de grafica para discos (no cualquiera lo realiza) para llevar a la realidad lo trabajado con el diseñador.

La ultima fase de esta aventura será la de conseguir una empresa dedicada a la fabricación del CD propiamente dicho.

Como verán en lo expuesto anteriormente en ningún momento menciono que el artista para poder llegar a la producción de un disco medianamente profesional estudio una cantidad de años (no menos de diez) en la cual invirtió tiempo(suponiendo que pudo estudiar un promedio de dos horas diarias como mínimo, esto suma alrededor de 7300 horas abocado a desentrañar el misterio que es ejecutar cualquier instrumento) y dinero(profesores particulares, libros, fotocopias, horas de Internet bajando material etc.).

Tampoco menciono la compra y mantenimiento de los instrumentos utilizados en la grabación y en la vida profesional del músico en cuestión.

Pensemos en lo que cuesta ahorrar para comprar un piano, una batería, una buena guitarra, un buen bajo y no hablemos de instrumentos de viento (saxo, flauta etc.).

Las obras musicales no se crean solas. Necesitan de un cerebro que las lleve a la realidad. En esto entran a relucir cosas como la creación, la inspiración, la prueba y el error, la duda sobre la obra realizada, el terror al papel en blanco y varias cuestiones más que serán interesantes ver en nuestra personalidad.

Después de enumerar tantas cosas que forman parte del proceso creativo que lleva como destino final la producción de un disco independiente, creo que me falto una cosa mas que no es ni cuantitativa ni cualitativamente considerada.

Esta es la ENERGIA que necesita el músico para poder llevar a cabo cada una de las consideraciones antes descriptas y la energía de los demás actores inmersos en este proceso creativo (músicos intervinientes, técnico de grabación, técnico de mezcla y masterizacion, diseñador grafico, imprenta (el señor que realiza ese trabajo ni siquiera sabemos quien es) y por ultimo el señor que realiza el CD propiamente dicho-producto final-que tampoco sabemos quien es, pero participa en forma mas que importante de nuestro trabajo.

En el mejor de los casos podríamos conseguir alguna distribuidora alternativa para que nuestros discos lleguen a las disquerías, como así también poder venderlos en nuestros conciertos o también los que somos profesores de escuelas de música hacerlo en las mismas, para tratar de llegar con nuestro arte a la mayor cantidad de gente posible.

Los músicos también comemos, nos vestimos, criamos a nuestros hijos, los educamos de acuerdo a nuestras creencias, vamos al supermercado, pagamos alquileres, impuestos etc.

La venta de un CD de producción independiente no llena los bolsillos de nadie, solo sirve para recuperar parte de la inversión económica del mismo (y solo una parte) y la copia de ese CD coarta lo antes mencionado.

Esta nota solo intenta reflejar la realidad de la concreción de un sueño que todo artista tiene. La materialización de un hecho creativo. Sea un libro, una escultura, una foto, una actuación, una poesía o en este caso un disco.

Cuando alguna vez escuche que alguien dijo que vender discos en nuestra Escuela era un acción lucrativa, siendo que en la institución siempre se vendieron discos no solo de profesores sino de alumnos también, me llevo a pensar quizá en una falta de información al respecto, o peor, en una falta de respeto a la libertad de cada uno de nosotros.

Un acto lucrativo en el mejor de los casos seria aleccionar al alumnado a comprar dicho “producto”, cosa que en mi caso personal no sucede, y cada cual es LIBRE de comprarlo o no.

Para finalizar quiero volver al titulo de esta nota “Cuanto cuesta la producción de un disco independiente”.En ningún momento cuantifico el costo económico del disco, sino todo lo que implica del punto de vista humano el valor del disco.

Muchas gracias

Máximo Rodríguez

Mi Foto con un Famoso

2010-04-15T05:04:00.003+02:00

Bueno, no es la norma de la casa, pero el sábado pasado estuvo en Madrid el guitarrista noruego Terje Rypdal, uno de los grandes históricos de ECM, y dueño de uno de los más bellos y logrados sonidos de guitarra que haya escuchado.
Fue un muy buen concierto que me sirvió para, entre otras cosas, comprobar que ese sonido está vivo y goza de muy buena salud. Al finalizar el concierto, algunos fuimos a saludar a los músicos, y el amigo Sergio Cabanillas sacó algunas fotos ¿se nota quien está cansado y quien está contento?
Aquí abajo les dejo un clip muy cortito de 1978. Rypdal con una banda que incluye a Palle Mikkelborg en trompeta (que también estuvo el sábado), Håkon Graf en teclados, Sveinung Hovensjø en bajo y el gran Jon Christensen en batería. El tema es "Per Ulv", dedicado precisamente a Per Ulv, que no es otro que el Coyote (sí, ese mismo, el del Correcaminos), cuyo fan club noruego está formado pura y exclusivamente por Rypdal y Christensen.

"To the One", John McLaughlin and The 4th Dimension

2010-04-07T02:57:00.007+02:00

John McLaughlin que en enero cumplió 68 años y cada día toca mejor, acaba de grabar un nuevo álbum con su banda "The 4th. Dimension". El grupo está formado por Gary Husband en teclados y percusiones adicionales, Mark Mondesir en batería y el bajista camerunés Etienne Mbappé, en reemplazo del saliente Hadrien Feraud (en esta entrevista, McLaughlin explica las razones del cambio).

Está prevista la salida del álbum para mediados de abril, pero en el sitio Abstract Logix ya hay material promocional, incluyendo un video de la grabación de uno de los temas: "The Fine Line".

"Pathways", Nuevo Álbum de Dave Holland

2010-03-26T10:03:00.005+01:00

Una buena noticia: Dave Holland, el magnífico bajista y compositor británico acaba de editar un nuevo álbum. Esta vez es en octeto, un formato con el que tocara en el pasado y del que existen algunos bootlegs (grabaciones informales de concierto).
Tanto entonces como ahora (y tal como lo hiciera con su big band), lo que hace Holland es ampliar su quinteto usual mediante el añadido de tres instrumentos más. Así, al grupo formado por Chris Potter (saxos tenor y soprano), Robin Eubanks (trombón), Steve Nelson (vibráfono y marimba), Nate Smith (batería) y el propio Holland, se suman tres colaboradores usuales de la big band: Alexander Sipiagin (trompeta), Antonio Hart (saxo alto y flauta) y Gary Smulyan (saxo barítono).
El álbum fue grabado en vivo en el Birdland de Nueva York, y contiene composiciones de Holland (el clásico Shadow Dance, Ebb and Flow, How's Never, Blue Jean) y sendos originales de Potter (Sea of Marmara) y Sipiagin (Wind Dance).
Es posible escuchar parte del álbum aquí:

The Last Mission

2010-03-15T15:40:00.002+01:00

Peter Graves (1926-2010)

Coprotagonista de Stalag 17, y por suerte (para él, sobre todo), recordado como el jefe en Misión Imposible.

Concierto para Quinteto

2010-03-10T02:19:00.007+01:00

Pocos días atrás, el 22 de febrero, tuve la oportunidad de hacer algo que siempre quise: tocar la música de Astor Piazzolla con un quinteto de similares características al suyo, con bandoneón, violín, guitarra, piano y contrabajo.
El concierto tuvo lugar en Fuenlabrada, Comunidad de Madrid, y si toqué ahí fue gracias a la invitación de Matías González, bandoneonista residente en París, a quien conocí algunos meses atrás durante un viaje que hice a la capital francesa.
El "Quinteto Nuestro Tiempo" (tal el nombre del grupo) quedó conformado por Matías en bandoneón, Marcelo González en violín, Vera Pavlova en piano (Vera y Marcelo viven en La Coruña), el contrabajista Romain Lecuyer (francés de París pero con acento porteño) y un servidor en guitarra. Además sería injusto dejar de mencionar a dos incondicionales del grupo: Paco Galán y Mauricio Grosman. Sin ellos todo sería mucho más complicado.
Aquí arriba les dejo la versión de uno de mis temas favoritos de Piazzolla: Decarísimo. Si quieren ver más, aquí van enlaces a Escualo, Michelangelo '70 y el soberbio Concierto para Quinteto.
Como hoy, 11 de marzo, es además el 89º aniversario del nacimiento de Piazzolla, les dejo una nota que escribí en su momento y que fue publicada por la revista Cuadernos de Jazz.
Ah, y si les gusta Piazzolla no dejen de leer "El Malentendido" de Diego Fischerman y Abel Gilbert.

Astor Piazzolla, un Artista Universal
(publicado originalmente en Cuadernos de Jazz, 2002)

Cuando sus detractores intentaban descalificarlo alegando que lo que hacía “no era tango”, él, lejos de adoptar una postura defensiva, argumentaba que lo suyo efectivamente no era tango sino “música de Buenos Aires”. Es que Piazzolla, como nadie más, supo transmitir en su música el carácter esencialmente cosmopolita de la cultura argentina.
Nacido en Mar del Plata, criado en Nueva York y formado de acuerdo a la tradición europea, logró generar una expresión musical absolutamente única, capaz de contener toda una serie de influencias aparentemente incompatibles en las que el tango, en todo caso, aparece como el vehículo necesario para amalgamarlas.
Su infancia neoyorquina no es de ninguna manera un dato menor. Lejos de la tierra natal pero sumergido en el “melting pot” americano, el pequeño Astor conoce el tango por los discos de su padre, queda fascinado con Bach y los románticos, a los que llega a través de su maestro el concertista húngaro Bèla Wilda, y en las calles descubre el jazz y otras formas de la música popular. Así, a muy temprana edad, Piazzolla usa el bandoneón para interpretar todo tipo de música. Tango, sí, pero también obras de Bach, de Gershwin y piezas populares.
A su regreso a la Argentina, Piazzolla comienza a trabajar como bandoneonista y arreglador con distintas orquestas de tango, pero jamás abandona su interés por todo aquello que implique producción de sonido. Con su amigo el gran bandoneonista Roberto Di Filipo acostumbran ir a ensayos y conciertos de orquestas sinfónicas. Paralelamente, estudia con el maestro Alberto Ginastera, quien lo acerca a la obra de los grandes compositores europeos de la primera mitad del Siglo XX.
Había sin embargo, un obstáculo a vencer aún, y era esa sensación de inferioridad que como músico popular sentía respecto de la llamada “música culta”. Piazzolla sentía que debía superarse, escribir obras sinfónicas, en fin, convertirse en un músico “serio”.
El instante mágico, cuenta la leyenda, ocurrió en París cuando Nadia Boulanger, a la que había llegado merced a una beca obtenida en Buenos Aires, le pidió que interpretara algo de su música. Luego de tocar varios fragmentos a la manera de distintos compositores, Boulanger le pidió que tocara algo más propio y Astor, entre tímido y avergonzado, tocó su tango “Triunfal”. Ella le dijo entonces “aquí está el verdadero Piazzolla, no lo abandone nunca”.
Afortunadamente, él le hizo caso, y de ahí en más se dedicó a rescatar toda esa música que llevaba dentro suyo y que revela ese universo multifacético producto de sus distintas vivencias y de su deseo imparable de devorarse el mundo.
Para aquél entonces (mediados de los ‘50s), Piazzolla, aunque polémico, ya era un músico muy respetado en el mundo del tango. Varias composiciones suyas como la citada “Triunfal”, “Prepárense”, “Para lucirse” o “Lo que vendrá” ya habían ingresado en el repertorio corriente de orquestas importantes como las de Aníbal Troilo, Osvaldo Fresedo o José Basso, pero fue el Piazzolla post-tanguero el que logró plasmar esa obra única, esa que lo ha convertido en uno de los músicos más personales y fácilmente identificables del Siglo XX. Ello se debe, ante todo a su extraordinaria capacidad de integrar de manera orgánica las diversas corrientes musicales que lo fueron nutriendo a lo largo de su vida.
Como cabe en el caso de todo gran artista, si uno quisiera determinar una suerte de genealogía artística en la obra de Piazzolla, debería abstenerse de caer en la tentación de basarse en las referencias más obvias o lineales. Para decirlo de otro modo, afirmar que la influencia académica en Piazzolla se limita a sus obras sinfónicas y su contacto con el jazz se circunscribe a sus colaboraciones con músicos como Gerry Mulligan o Gary Burton implica adoptar un punto de vista demasiado estrecho.
Piazzolla fue un músico popular. Lo mejor de su producción está indisolublemente ligado a su condición de ejecutante y líder.
La matriz de su música fue el tango, un género al que conocía y amaba profundamente. Sus años de ejecutante y arreglador de orquesta le habían servido para conocer al detalle el repertorio y los rasgos estilísticos.
Pero, en cierta medida, el tango no fue para Piazzolla sino “un elemento más”. Importantísimo, fundacional, podríamos decir, pero de ninguna manera una categoría rígida o inmodificable.
A la manera de Stravinsky, Piazzolla, lejos de atenerse a un canon estricto, se dedicó a recoger y procesar todo lo que había por allí y que pudiese resultar útil a sus propósitos artísticos, sin importar el origen o procedencia de estos recursos. El gran compositor ruso fue un especialista en el arte de “cortar y pegar”. Su heterodoxia le valió muchas críticas pero lo cierto es que sentó escuela y generó una nueva forma de hacer música.
Así, los materiales básicos tomados de la música rioplatense, bien pueden ser temas del repertorio corriente (Piazzolla realizó muchos y memorables arreglos de tangos y milongas clásicos aunque finalmente se concentró de manera exclusiva en su propia música), ritmos propios de la música nativa (además de los tangos, las milongas camperas como “Milonga del Angel” o el candombe de “Escualo”), o bien ciertos gestos y recursos instrumentales como las “lijas” (la fricción del arco del violín sobre las cuerdas detrás del puente), efectos de percusión sobre los instrumentos o las caídas con el violín tan frecuentes en las grabaciones de Julio De Caro, la mayor influencia tanguera en Piazzolla.
Es en este proceso de deconstrucción y posterior integración donde entra en juego la faz académica de Piazzolla, ya que ahí se evidencia su dominio de distintas técnicas compositivas. La música recoge influencias que involucran distintos períodos de la música europea de concierto, y de este modo convergen las fugas o ciertos giros armónicos asociados al barroco, el dramatismo romántico o las armonías disonantes propias de la música del siglo XX.
Por cierto que la influencia de Stravinsky no se limitó al plano metodológico. Piazzolla, durante el tiempo que estudió con el compositor Alberto Ginastera, y luego con Nadia Boulanger, se interiorizó de muchas técnicas compositivas modernas. Vale recordar que Ginastera fue un compositor que, a la manera de Bèla Bartók, basó mucha de su música en el empleo de ritmos nativos. Aunque menos, Stravinsky, también usó elementos folklóricos en su música (principalmente en “La Consagración de la Primavera”), y si bien Piazzolla no acudió al folklore húngaro o eslavo para nutrir a su música, tal como Ginastera, tomó ciertos giros propios de la música de estos compositores europeos.
La por momentos avasalladora rítmica Piazzolleana (con su característica marcación de 3-3-2 corcheas sobre un compás de 4/4 devenido en 8/8) acentuada con una percusividad extraña al tango clásico, trae una y otra vez a la memoria a ciertos pasajes de obras de Stravinsky (“La Consagración de la Primavera”, la “Sinfonía en Tres Movimientos”) o Bartók (“Música para Cuerdas, Percusión y Celesta”). La obra de Piazzolla que más claramente revela esta influencia es, sin duda, “Tres Minutos con la Realidad”, de mediados de los ‘50s y que, curiosamente, reapareció en el repertorio de su sexteto, su último grupo, de 1989-90.
Es interesante la relación de Piazzolla con el jazz. De alguien que pasó su infancia en Nueva York no debe sorprender que haya cultivado el gusto por esta música, pero ¿influyó de alguna manera el jazz sobre Astor Piazzolla y su música? Es evidente que sí, y son dos los aspectos que revelan esto: su forma de encarar el ritmo y su apertura a la improvisación.
El tango tradicional tiene muchas paradas y cambios de tempo, en tanto que la música de Piazzolla es mucho más “caminada”, y de alguna manera se asemeja más al “groove” del jazz. Salvando las distancias, se entiende, ya que tanto el tango tradicional como la música piazzolleana son eminentemente binarios, a diferencia del swing. Lo significativo es que la implantación de un pulso regular determina un marco apropiado para la improvisación, y esto es algo que se puede corroborar no solo con el jazz sino con diversas músicas folklóricas en las que hay partes improvisadas.
A fines de la década del ’50, Piazzolla viajó a Nueva York y grabó un par de discos. Uno de ellos formó parte de una experiencia a la que se dio en llamar “jazz tango”, y consistía en un quinteto (bandoneón, vibráfono, guitarra, piano y contrabajo) con el agregado de percusión latina. El repertorio consistía en algunos clásicos suyos como “Triunfal” o “Para lucirse” y temas asociados comúnmente al repertorio jazzístico como “April in Paris”, “Laura” o “Lullaby of Birdland”.
Piazzolla siempre habló de esa experiencia en términos negativos, pero por más que esas grabaciones distan mucho de ser lo mejor que hizo, lo cierto es que allí se encuentra el germen de lo que fue su primer quinteto (suprimida la percusión y reemplazado el vibráfono por violín), lo que no es poco decir.
En rigor de verdad, en estas grabaciones prácticamente no había improvisación. Poco antes había formado el revolucionario Octeto Buenos Aires, en el que la guitarra de Horacio Malvicino tenía solos en casi todos los temas, pero a partir de su primer quinteto (de principios de la década del ’60 y del que Malvicino también formaba parte), la música de Piazzolla empezó a tener cada vez menos espacio para la improvisación.
No obstante esto, conservó cierto rasgo jazzístico, por decirlo de alguna manera. Era una música escrita en su casi totalidad, pero conservaba una frescura propia de la primera vez. Por más rigurosa y exigente que fuera la escritura (y de verdad lo era), la interpretación jugaba un papel importantísimo. Se pueden comparar las grabaciones con algunas partituras o distintas versiones entre sí, y se verá que hay variaciones, posiblemente convenidas en los ensayos o tal vez producto del paso del tiempo, para evitar la rutina.
El caso de Piazzolla es el de un experimento por demás exitoso de integración de distintas vertientes, un ejemplo de fusión contemporáneo del Third stream de John Lewis y Günther Schuller, que intentaba combinar música académica y jazz, y revela el espíritu de una época en que la consigna era hacer cosas nuevas, encontrar (o expresar) la propia voz. En el rigor que no implica cerrazón, en la impetuosidad que no conlleva descuido, en una palabra, en la actitud, he allí la razón última del triunfo de Astor Piazzolla y su música.

La Marroquinidad al Palo

2010-03-07T18:47:00.003+01:00

Interrumpo la siesta bloguera sobresaltado por un titular de hoy en El País. La noticia se refiere a la eterna disputa por el Sahara Occidental, antigua colonia española literalmente abandonada por sus dominadores en 1976, a poco de morir el dictador Franco. En realidad, durante la agonía del tirano, Marruecos invadió el territorio y hasta ahora no lo ha abandonado.
Desde entonces el pueblo saharaui (pobladores de la ex-colonia), vive en condiciones tan malas como las de cualquier pueblo invadido y ocupado, reclamando infructuosamente la independencia del territorio, y desde entonces Marruecos reclama el territorio como suyo (ni falta que hace, ya que ejerce el dominio sin que nadie se le oponga).

El asunto es que el monarca actual insiste, y según el diario español, lo que defiende es la marroquinidad del territorio. Ignoro (y seguiré haciéndolo) si el término marroquinidad existe o no. A los efectos prácticos, digamos que sí, que existe, ya que acabo de leerlo, y en su existencia abre las puertas a que algún día, ante un conflicto limítrofe, el gobierno de Bulgaria proclame la defensa de la bulgaridad.
Más aún, si este conflicto fuera con su vecina Rumania, esto podría dar lugar a que las autoridades de este país contesten con un lema muy en boga en tiempos del malogrado Nicolae Ceauşescu (y su inseparable, aún en los peores momentos, esposa Elena): "Aquí en este país somos derechos y rumanos".
¿Será posible?

El Joven Joe Pass

2010-02-11T03:45:00.003+01:00

Joseph Passalacqua, más conocido como Joe Pass, nacido en 1929 y fallecido en 1994, fue uno de los más grandes guitarristas de jazz. Tocó y grabó muchísimo y en las más variadas formaciones.
Uno de sus períodos menos conocidos es, sin embargo, su juventud. Juventud tardía en todo caso, ya que Pass, adicto a las drogas por entonces, pasó un período en el centro de rehabilitación Synanon de Santa Monica, California. Allí, junto con otros internos, grabó su primer álbum, "Sounds of Synanon" a fines de 1961.
En este video se puede ver a la banda y a Pass con treinta y pocos años (se supone que es una actuación de 1964) con la guitarra que usara para grabar el disco, una Fender Jazzmaster que ni siquiera era suya, sino del instituto de rehabilitación.
Nada más que decir.

The Train and The River

2010-02-03T16:12:00.003+01:00

Dos versiones del clásico de Jimmy Giuffre, a cargo de sus tríos de fines de la década del '50.
La primera perteneciente al film "The Sound of Jazz", junto a Jim Hall en guitarra y Jim Atlas en contrabajo.

La segunda, parte de "Jazz On A Summer's Day", nuevamente con Hall y Bob Brookmeyer en trombón a pistones.

Otra Entrevista

2010-02-01T05:52:00.005+01:00

Hace unos días, Fernando Ríos tuvo la amabilidad de entrevistarme para su sitio Argentjazz.
El texto completo de la entrevista se puede leer acá.

No Comments

2010-01-15T16:11:00.004+01:00

"Existen males mayores que los que esos pobres de Haití están sufriendo estos días ¿no? Nosotros nos lamentamos mucho de los pobres de Haití, pero igual también deberíamos, además de poner toda nuestra solidaridad en ayudar a los pobres, también deberíamos llorar por nosotros, por nuestra pobre situación espiritual, por nuestra concepción materialista de vida ¿no? quizás es un mal más grande el que nosotros estamos padeciendo que el que esos inocentes también están sufriendo"
Palabras de José Ignacio Munilla, recientemente nombrado obispo de San Sebastián.
Para escucharlas, aquí o aquí.

Adiós, Roberto

2010-01-12T16:52:00.004+01:00

Hace unos días se fue Sandro. No voy a caer en la gilada de decir "un grande" y todo eso, cuando debe hacer más o menos cuarenta años que no pongo un tema suyo, pero sí me parece bueno rescatar que fue un tipo, si no querido, al menos respetado por casi todo el mundo.
Sus fans, la prensa, el público en general, los que gustaban de su música y los que no, más o menos todos, supieron valorar su discreción, el hecho de no haber hecho de su vida privada un espectáculo y de no haber andado arrastrándose ante los poderosos de turno, entre otras minucias.
Colegas músicos que trabajaron con él siempre destacaron su sencillez y generosidad, aún en momentos en que gozaba da una fama enorme.
De modo que nunca está de más reconocer a un buen tipo, máxime teniendo en cuenta la cantidad de garcas sueltos que andan por ahí.
Sandro también es co-protagonista de una de las mejores anécdotas musicales que conozco.
Allá por los años '60 tenía que tocar con su grupo en un club de barrio durante un baile de carnaval. Mientras esperaba su turno presenció la actuación del gran cantor de tangos Alberto Podestá, quien luchaba denodadamente por hacerse oir a través del precario equipo de sonido del club.
Al finalizar la actuación Sandro se acercó a saludar a Podestá y le dijo "pero maestro, no puede ser que un artista como usted cante en esas condiciones, ahora hay equipos de sonido muy buenos, mire los que uso yo" y señaló los baffles que se llevaba a cada sitio al que iba.
Podestá lo miró y le dijo "pero no, pibe, a esta altura de mi vida lo que menos ganas tengo de hacer es estar cargando paquetes".

¡Lo adelantamos!

2010-01-12T14:09:00.002+01:00

Tal como lo anticipáramos hace un par de semanas, en ocasión del cumpleaños de Gerardo Díaz-Ferrán, presidente de la CEOE y más que exitoso hombre de negocios, la Audiencia Nacional de España ha decidido desestimar la denuncia contra Air Comet y sus directivos presentada por nueve organizaciones de consumidores por "presuntos delitos de estafa, apropiación indebida e insolvencia punible" al seguir vendiendo billetes a pesar de conocer la situación de insolvencia de la compañía.

Esto es justicia, señores ¿qué sabrá esta manga de fracasados lo que es hacer negocios, ver que salen mal y encima soportar que te acusen de chorro?
¿Vio, don Gerardo? Al final sabíamos que no iba a pasar naranja.
Desde este, nuestro insignificante y merecido lugar, hacemos votos para que vuelva al mundo de los aeronegocios y funde (y funda) su nueva aerolínea. Ahí estaremos con nuestros ahorros, dispuestos a hacerle realidad el sueño del avioncito propio.

Resumen de noticias

2009-12-27T11:19:00.006+01:00

Hay que escuchar a los que saben

"Yo no hubiera elegido Air Comet para volar a ningún sitio". Esto no lo dijo ningún militante antisistema ni ningún filósofo escéptico, sino Gerardo Díaz Ferrán, casualmente el presidente de Air Comet, la empresa española de aviación que acaba de quebrar después de meses de no pagar sueldos ni aportes jubilatorios.

Díaz Ferrán es, además, el presidente de la CEOE, la entidad que agrupa a los propietarios de empresas, y uno de los fundadores del grupo Marsans, que hasta hace poco gestionara de manera muy exitosa, como todo el mundo sabe, Aerolíneas Argentinas (empresa hoy recuperada por el pueblo, que en pequeñas dosis puede viajar a ver partidos a Uruguay en vuelos fletados a tal efecto). Hombre de firmes convicciones liberales, tampoco abusa de esa condición, y sabe que el estado, de vez en cuando, puede ayudar.

A todo esto, hoy es el cumpleaños de Díaz Ferrán. Desde este humilde blog queremos saludarlo y darle ánimo en este momento tan difícil y tan amargo. Ya todo se solucionará y a usted no le va a pasar nada.

También se quieren sumar a esta salutación (extensiva a la familia de Díaz Ferrán y de otros miembros del directorio de Air Comet) los empleados despedidos y los miles de pasajeros abandonados en distintos aeropuertos después de invertir en muchos casos la totalidad de sus ahorros en la compra de pasajes a sus países de origen. Ellos saben perfectamente que a veces se gana y a veces se pierde y que unos ahorritos no son nada al lado de la amargura y frustración que causa un negocio que no sale bien.

Errare Humanum Est

En Italia no ganan para sustos. Tras la agresión de que fuera víctima Silvio Berlusconi hace pocos días, el mismísimo Papa Benedicto XVI, o Joseph Ratzinger (o Papa Ratzi, entre sus amigos) vivió un verdadero infierno cuando una mujer saltó la valla de seguridad y se abalanzó sobre el pontífice, haciendo caer a otro obispo que lo acompañaba.
La mujer, Susana Maiolo, con doble nacionalidad suiza e italiana, aseguró no haber querido lastimar al Santo Padre. Aparentemente sufre de trastornos psíquicos (la mujer) y un año atrás había hecho lo mismo. Un claro caso que confirma aquello de que "la mujer es el único animal que tropieza dos veces con el mismo Papa".

Un nuevo caso para la policía del jazz: ¿el free jazz es jazz?

2009-12-23T11:39:00.003+01:00

Una nueva entrega de un folletín que promete ser apasionante y que demuestra que no está muerto quien pelea.
Desde los albores de la cultura humana, se han desatado grandes debates.
¿Es el sol el que gira alrededor de la tierra o la tierra alrededor del sol?
¿La tierra es plana o esférica?
Galileo, ¿genio o hereje?
Esta polémica, queridos amigos, llega al jazz. Ya sabemos lo que pasó hace unos días en Sigüenza, cuando un espectador denunció al saxofonista Larry Ochs por no tocar jazz en lo que se supone un festival de jazz. La cosa pasó a mayores, llegando a intervenir la Guardia Civil.
Entre los motivos de la denuncia sobresalía el hecho de que el denunciante consideraba que eso no era jazz sino música contemporánea, la que tenía expresamente prohibida por prescripción médica.
Cuando todo parecía que iba a quedar en la anécdota, entró en escena el trompetista Wynton Marsalis, que desde hace 30 años viene deslumbrando al mundo con su virtuosismo instrumental, pero que de chico quería ser policía. Lo logró una vez terminados sus estudios y ya siendo un famoso ejecutante y reconocido trompetista.
Desde su sitial de poder en el Lincoln Center, y con el ex baterista de free jazz Stanley Crouch como guía espiritual (ventrílocuo según sus detractores), comenzó a desplegar una prédica según la cual se establecían lineamientos y requisitos muy claros para que una música pudiera ser considerada jazz. Mucho quedaba afuera, pero lo que seguía siendo jazz era inmejorable: los conjuntos de Wynton Marsalis o la orquesta del Lincoln Center (dirigida por Wynton Marsalis). Entre los críticos genuinamente jazzísticos destacaban dos: Stanley Crouch y Wynton Marsalis.
Esta postura clara y decidida le generó enemigos también: Julius Hemphill, que habrá creado música extraordinaria pero fue incapaz de hacerse millonario calificó al programa del Lincoln Center como la muerte de la música creativa y a su sostenedor Crouch como un Tío Tom. O Keith Jarrett (que puede dar grandes conciertos pero lo quiero ver animando un cumpleaños), que dijo "detrás de su discurso humilde hay una increíble arrogancia".
El mismísimo Miles Davis fue duro con Marsalis, y dijo "that motherfucker's not sharing a stage with me" (frase de difícil traducción). Al parecer estaba ofuscado porque Marsalis se subió inesperadamente al escenario en medio de una actuación suya en Vancouver en 1986.
Bueno, que lo de Marsalis viene a cuento de que, tras conocer la historia del denunciante de Sigüenza decidió rastrearlo y ponerse en contacto con él para felicitarlo y regalarle toda su discografía (setenta CDs autografiados).
Después de un par de días, apareció Rafael Gilbert, el denunciante de Ochs, deseoso de cobrar la recompensa ofrecida por el Sheriff Wynton. "Decidimos quedarnos para escucharle. Pero a los 10 minutos de empezar yo empecé a ponerme nervioso, muy nervioso. El free jazz es una música que si no te avisan puede irritarte mucho, te pone mal cuerpo" y "Me sentí estafado. Con todo el respeto por los músicos, pero me hicieron daño al oído y a los nervios. Yo lo que reclamo es que en los carteles aclaren si es jazz o no, y ya está. Es como si vas a ver una película de Tarzan y te ponen una de King Kong" asegura Gilbert con gran precisión metafórica.
Todo bien, pero ¿en qué quedamos? Lo de Ochs ¿es música contemporánea o free jazz?
Gilbert debería aclararse. Si es música contemporánea tal como aseguró el Guardia Civil, (serio aspirante a Ministro de Cultura del próximo gobierno de España), Ochs debe ser detenido, los organizadores del festival también (y azotados en la plaza pública) y a Gilbert se le debe hacer un acto de desagravio, se le deben dar los discos de Marsalis y sobre todo, devolver el dinero de la entrada (que es lo único que él quería antes de que se armara semejante lío).
Ahora, si es free jazz, me temo que Gilbert está en problemas, ya que el suyo sería un caso de falso testimonio. El free jazz es jazz, así que no hay derecho al pataleo. Nada de devolverle el dinero de la entrada. Y los discos de Marsalis, que se los den igual, pero a condición de que los escuche todos.

La entrevista

2009-12-13T04:47:00.004+01:00

El 29 de octubre pasado fui invitado a participar en el programa "Universos Paralelos", conducido por Sergio Cabanillas en colaboración con Enrique Farelo. El programa se emite los jueves a las 17 por la emisora Onda Verde (107.9 MHz) de Madrid.
El motivo central de la entrevista era la presentación del álbum del Gnu Trio, pero además de eso, estuvimos conversando de temas generales.
Aquí les dejo los links, tanto a la transcripción de la entrevista (recientemente publicada por Tomajazz) , como a la página del Gnu Trio, en la que encontrarán datos del grupo, del disco, y algo de música para escuchar.

¿Culpable o inocente?

2009-12-12T06:15:00.003+01:00

Imágenes de un concierto de Larry Ochs & The Drumming Core en "The White House" de Orlando, Florida, el 11 de octubre pasado. La parte 2 acá y la parte 3 acá.
Para los que recién se incorporan, hace unos días Ochs fue denunciado por un espectador porque su música no era jazz, pese a que según él, había pagado de buena fe una entrada a un concierto de este grupo, dentro del festival de jazz de Sigüenza (más información en el blog de Chema García Martínez, testigo presencial y cronista del hecho)
¿Es jazz o no? Saque el lector sus propias conclusiones, pero ante la duda, consulte con su médico o con un policía amigo.

Arrésteme Sargento

2009-12-10T04:31:00.003+01:00

Hace algún tiempo un amigo me contó una historia, seguramente falsa, pero de las que uno dice se non è vero, è ben trovato, o sea, que aunque no sea cierta, es suficientemente buena.
Parece ser que había un cabaret que tenía un grupo musical que tocaba todas las noches. El dueño le debía dinero a los músicos, y éstos, a modo de protesta, una noche se pusieron a tocar mal a propósito. El dueño llamó a la policía, los músicos fueron todos presos, y en el libro de entradas de la comisaría, como motivo de la detención decía "por tocar mal". No faltaron quienes festejaran el hecho. Yo mismo, por caso.
Pero, pero, pero (siempre hay un pero, o tres en este caso) la realidad supera a la fantasía. Si no, vean esto.

Jim Hall: El amigo americano

2009-12-06T19:36:00.013+01:00

Hace unos pocos días, Jim Hall cumplió años. 79 exactamente, ya que nació en Buffalo, estado de New York el 4 de diciembre de 1930. Por esa razón me pareció oportuno volver a publicar esta nota, basada en una entrevista que le hice en su casa de Manhattan en febrero de 1995.
Muy poquitos meses antes, yo había empezado a colaborar con una revista musical argentina, "CD Review", como traductor y ocasional comentarista de discos. Ante la inminencia de mi viaje a Estados Unidos, le propuse al director de esa revista la idea de hacer una entrevista a Hall para ser publicada. Le interesó y ni bien llegar a NY llamé por teléfono a Hall, a quien había conocido personalmente en Buenos Aires en 1992. Me atendió un contestador, dejé un mensaje con mi nombre, mi número, y también diciendo que volvería a llamar. Para mi sorpresa, a la mañana siguiente sonó el teléfono y era el mismísimo Hall, que inclusive, se acordaba de mí de aquella oportunidad (tomen nota las estrellas de entrecasa que no gustan de someterse a la humillación de devolver las llamadas).

Lo fui a ver a su casa. Ya en la entrada me atendió el portero, un señor peruano muy simpático (Santiago, creo que era el nombre), que estaba enterado de que yo andaría por ahí. Ya en la casa, tuvimos una charla muy entretenida e incluso les saqué unas fotos, tanto a Jim como a Jane, su mujer. A mi regreso a Buenos Aires escribí la nota pero de poco sirvió. Una nueva crisis económica (en aquel momento fue el Efecto Tequila) determinó el cierre de la revista. Por suerte, unos meses más tarde, Jim volvió a Buenos Aires para dar una serie de conciertos (memorables, por cierto) a dúo con Scott Colley, con motivo de la inauguración de Oliverio AllWays, en el Hotel Bauen. Para ese momento yo había empezado a colaborar con otra nueva (y efímera) publicación, "Música & CD", y fue una razón para que la nota finalmente fuera publicada.

Jim Hall ha tenido algunos problemas de salud hace un tiempo, pero afortunadamente, se fue recuperando bien y retomando su actividad habitual.
Solo resta desearle un muy feliz cumpleaños.

Ahora sí, la nota

Jim Hall: El amigo americano

Entrevista exclusiva en New York / Guillermo Bazzola
(publicada originalmente por la revista "Música & CD" de octubre de 1995)

A los 64 años, Jim Hall es lo menos parecido a una leyenda viviente. Mientras otros músicos de su generación viven de glorias pasadas, en su caso, decir que cada día toca mejor es mucho más que un mero formalismo. Cada nuevo trabajo suyo es una sorpresa. John Abercrombie, John Scofield, Bill Frisell, Mick Goodrick, Pat Metheny y Mike Stern, por citar a algunos de los guitarristas más importantes del momento, lo consideran una influencia decisiva. Él toca con ellos y se siente influído por ellos.
Desde su aparición en escena a mediados de los '50s, Hall ha demostrado ser ante todo un artista que supera lo estrictamente musical. "A mi esposa (Jane, su compañera inseparable) y a mí nos gusta la pintura, el arte en general, pero no creo que sea siempre así entre los músicos. De hecho, conozco algunos realmente buenos a los que les gusta sólo lo que ellos tocan, el be-bop, pero yo nunca pude ser así..." Próximamente, Hall visitará por tercera vez la Argentina, país con el que tiene una relación singular.
Nacido en Buffalo, New York, Hall comenzó en la música desde muy chico. "Creo que escuché buena música desde el principio, música folk, música country". Su tío Ed lo animó a estudiar la guitarra y le hizo conocer a los grandes del jazz de su época: Charlie Christian, Art Tatum, Jimmy Lunceford. "Ví a Tatum, no a Christian, pero los escuché cuando era muy chico, doce o trece años". A los dieciséis se trasladó con su familia a Cleveland, Ohio, donde completó sus estudios formales en el Cleveland Institute of Music. "Lo mejor que hice en la escuela fue escuchar todo tipo de música, desde canto gregoriano hasta música electrónica. Esto me ayudó a no tenerle miedo a lo nuevo".
A fines de los '50s su nombre se vió asociado a la avant-garde. "Creo que tuve buena suerte. Cuando dejé la escuela fui a California y empecé a tocar con (el baterista) Chico Hamilton. Estaba Buddy Collette en vientos y había cello, guitarra y bajo. Después estuve con (el saxofonista-clarinetista) Jimmy Giuffre, con Ralph Peña en bajo". El reemplazo de Peña por el trombonista Bob Brookmeyer abrió paso a una verdadera revolución en la manera de interpretar el jazz en la guitarra. "La idea de tocar sin bajo fue de Jimmy. A mí me gustó, porque tanto él como Bob son grandes músicos. Jimmy me ayudó a encontrar distintas formas de frasear en la guitarra que sonaran bien con el clarinete y el trombón para no tener que tocar acordes todo el tiempo. El ritmo iba por sí solo". Un hito de esta nueva era fue el disco The Bridge, junto al gran saxo tenor Sonny Rollins. También estuvo cerca del saxofonista Ornette Coleman, uno de los creadores del free jazz. "Me gustaba lo que hacía con su cuarteto. Tenía una gran vitalidad, mucho humor, muy buen sentido rítmico. Nunca toqué en sus grupos chicos. Lo hice en Third Stream Jazz, una grabación de Günther Schuller donde casi todo estaba escrito, y en unas cosas que Ornette hizo para quinteto de vientos y sección rítmica".
Desde sus inicios, Hall compuso parte de su material, pero últimamente este rol ha cobrado un nuevo impulso. "Sobre todo desde que empecé a trabajar como líder, si bien había escrito algo para Chico Hamilton y para Jimmy Giuffre y siempre usé lo que sabía de composición para improvisar". También hubo un cambio de aproximación. "En la escuela compuse un cuarteto de cuerdas y algunas piezas para piano, pero eso era algo abstracto, a veces ni lo escuchaba. Ahora escribo para situaciones específicas. Una vez fuimos a Japón con (el bajista y pianista) Don Thompson y (el baterista) Terry Clarke. Llegamos dos días antes, y mientras planeábamos el programa vimos que necesitábamos algo para abrir el concierto, así que escribí el tema Aruba. Cuando trabajé con Red Mitchell compuse esos temas que tocamos juntos". Su permanente necesidad de renovación lo ha llevado a tomar este camino. "Ya he tocado mucho los standards. Todavía toco Body and Soul o In a Sentimental Mood. Los toqué cientos de veces y aún me gustan, pero es mejor tener alguna música nueva para improvisar". Igualmente, no ha abandonado su rol de compositor académico. "Hace un par de años hice algunas composiciones para cuerdas, percusión y guitarra, y también algo para bronces y guitarra. Espero poder grabarlas o al menos tocarlas, nunca las oí. Probablemente toque algunas en el Free Jazz Festival de Río de Janeiro el año próximo, quizás las piezas para bronces".
Otro hecho decisivo ha sido su acercamiento a la enseñanza, en la New School de Nueva York. "Mayormente no enseño guitarra. Tengo un ensamble, por ejemplo un grupo de saxo, trompeta, guitarra, piano, bajo y batería. Le pido a cada uno que me dé una nota, y me queda una serie a partir de la cual tratamos de hacer música. El pianista puede hacer acordes, el bajista construir líneas. Es muy interesante". Entre sus ex-alumnos se destacan el guitarrista Peter Bernstein, el pianista y organista Larry Goldings y el saxo tenor Rasmus Lee. "En cierta forma significó que volviera a escribir, porque tengo que preparar cosas para el ensamble, que cada semestre es diferente, y no me parece bien darles siempre lo mismo. Pero para mí lo mejor de enseñar es estar cerca de músicos jóvenes".
Aunque siempre fue bastante reacio a participar en seleccionados de guitarristas -"Cuando se forman los Great Guitars, parece que cada uno se redujera. No me gusta competir con otros guitarristas, tal vez porque no tengo la técnica que tienen otros"-, en Dialogues, su último CD, están Mike Stern y Bill Frisell. "Me siento mas cerca de ellos que de Herb Ellis o de Kenny Burrell. Son grandes músicos, pero siento más proximidad con los músicos mas jóvenes".
Este proyecto incluye además al trompetista Tom Harrell y al saxofonista Joe Lovano (toca en Calypso Joe, escrito especialmente para él y Bon Ami, una balada dedicada a Django Reinhardt). Hay duetos con Gil Goldstein en acordeón y temas con sección rítmica (el bajista Scott Colley y el baterista Andy Watson).
"Yo estoy interesado en la gente -concluye Hall-, para mí ser músico es como ser pintor o poeta. Mi máxima aspiración es poder seguir creciendo todo el tiempo".

Bill Evans, Entre la Vida y la Muerte

2009-12-04T05:17:00.008+01:00

Por Guillermo Bazzola

(nota aparecida originalmente en Revista Clásica, septiembre de 2000)

Hace veinte años moría Bill Evans, el más influyente de los músicos de jazz blancos y uno de los mayores artistas de nuestro tiempo. “Toca el piano como se supone que se debe hacer”, dijo alguna vez Miles Davis. Generaciones enteras de músicos (de jazz y no) lo tomaron como modelo.

Tal como se ha afirmado repetidamente que, pese a ser pianista, el instrumento de Duke Ellington fue la orquesta, podemos hacer abstracción de la idea y decir que el de Evans fue el trío.

Reconocer esto es tan necesario como incompleto. Evans no solo fue un extraordinario pianista y líder sino también un gran compositor, y por sobre todo un pensador.

Como tantos otros artistas (no solo músicos), Evans exhibió esa doble condición de hombre de su época y a la vez atemporal. Nació en Plainfield, Nueva Jersey, el 16 de agosto de 1929, y desde su más tierna infancia estuvo en contacto con la música y el arte en general. Sus ancestros eran galeses por parte de padre y rusos por parte de madre, lo que lo enfrentó con distintas tradiciones culturales. Con su inseparable hermano Harry compartió la afición por la música, y estudió el piano, el violín y la flauta siguiendo los lineamientos de la tradición académica.

El estudio aplicado, la adolescencia en los suburbios, un carácter introvertido y un previsiblemente ingrato paso por el servicio militar confluyeron en este hombre que durante la segunda mitad de la seminal década del ’50 llamó la atención de los grandes modernistas del género: George Russell, Charlie Mingus, Gunther Schuller, Miles Davis.

Evans era distinto a todos. Conocía el jazz y su estilo ciertamente revelaba las influencias de grandes como Bud Powell y Lennie Tristano, a quienes admiraba, pero su originalidad estaba íntimamente ligada con su modestia, una modestia propia de los sabios, como su admirado Sócrates, que encontraba en la propia ignorancia el punto de partida para acceder a la sabiduría.

En 1956 trabajó con Russell, un importante teórico y compositor que desde un tiempo atrás venía desarrollando su Concepto Lidio Cromático de la Organización Tonal por medio del cual tendía a la expansión de los límites armónicos de la música improvisada. Ese mismo año grabó su primer álbum, llamado New Jazz Conceptions, con el contrabajista Teddy Kottick y el baterista Paul Motian.

Lector apasionado del Zen (antes de que fuera una moda), Evans grabó en 1957 unas sesiones con el clarinetista Tony Scott (experto en la materia) que dieron origen a lo que fue su grupo más renombrado.

En efecto, en esta grabación participaron Motian y el muy joven contrabajista Scott LaFaro, un músico dotado de una técnica descomunal y un sentido melódico fuera de lo común. Además de producir buena música en sí misma, la sesión dio pie a la formación de uno de los grupos clave de la historia del género.

El trío con LaFaro y Motian representó una instancia superior en el concepto de ejecución grupal de música improvisada. A partir de esta experiencia (que duró demasiado poco, debido a la prematura muerte de LaFaro en 1961, víctima de un accidente automovilístico), las diferencias entre solista y acompañante se tornaron cada vez más difusas, adoptando un esquema interactivo en lugar de la convencional asignación de roles estáticos.

Si bien durante este período Evans trabajó con Miles Davis, Jim Hall y Oliver Nelson, con quienes incluso grabó obras maestras como Kind of Blue, Undercurrent y Blues and the Abstract Truth respectivamente, el laboratorio en al que ponía a prueba sus descubrimientos era el trío, y, como no podía ser de otro modo, la muerte de LaFaro significó para Evans una tragedia artística y personal.

Un estado de gran angustia lo llevó a retirarse por un lapso de un año, para volver con un nuevo contrabajista, Chuck Israels, con quien intentó un esquema similar. Luego vino Gary Peacock, pero lo que quedaba de aquel trío finalmente desapareció con la ida de Motian en 1964.

Evans, que había sido una influencia decisiva en los jóvenes pianistas de la época (Herbie Hancock y Chick Corea, por caso) había pasado ahora a concentrarse más en su propio pianismo que en la exploración de nuevas posibilidades como había sucedido en los primeros años.

Desde entonces hasta su muerte hubo varias oportunidades en las cuales logró establecer tríos que tuvieran una duración prolongada. Entre 1969/74 con Eddie Gomez al contrabajo y Marty Morell en batería, un período entre 1977/79 con Gomez y Eliot Zigmund, y finalmente entre 1979/80 con Marc Johnson y Joe LaBarbera. Aunque siempre mantuvo un nivel instrumental altísimo, el esquema había tomado un carácter en cierto modo rutinario.

¿Fue entonces Bill Evans un músico conservador, como reiteradas veces se lo ha acusado? Indudablemente que sí lo fue, aunque de ninguna manera se lo puede tildar de reaccionario. Tal como se ha dicho, Evans llevó adelante avances importantísimos que hoy día siguen siendo parte constitutiva del modo actual de tocar el jazz.

A su reconocida maestría en el plano armónico, que es la principal via de acercamiento al Bill Evans “romántico” de los últimos años, hay que agregarle otras facetas relevantes.

Fue un gran compositor. Pese a no haber dejado una gran cantidad de obras, varias de ellas como “Very Early”, “Time Remembered”, “Walkin’ up”, “34 Skidoo”, “Orbit” o “Re:Person I Knew” muestran una gran originalidad de ideas, nada reaccionaria, por cierto. En el plano rítmico, puso en práctica una cantidad de ideas respecto a la complejización del ritmo que bien podían no ser propias (en esto hay una gran conexión con Tristano), pero que recién con él adquirieron una forma de cosa terminada. Igualmente en su papel de líder y la permanente conversación musical establecida entre los miembros del grupo. Baste escuchar las versiones de “Solar” y “Milestones” en las sesiones del Vanguard junto a LaFaro y Motian para comprobar la veracidad de lo aquí afirmado.

Evans fue un artista absolutamente autoconsciente, conteste de sus elecciones y de sus renuncias. Respecto a su formación decía “una de las cosas que me vienen a la mente es que de chico fui condicionado a sentir una gran reverencia por el arte”.

Esa concepción del arte como algo superior rigió toda su vida, y seguramente en sus propias palabras está la explicación a lo que fue en definitiva la razón de su existencia. En la misma entrevista, consultado acerca de su relación con lo cotidiano, respondió “por cierto, yo quiero algo mejor que lo cotidiano. Cuando me acerco a alguna forma de arte, voy buscando algo especial, no busco los ruidos del baño o cosas así. Quiero algo por lo que el artista haya dedicado su vida a proteger, a nutrir, a cultivar, a buscar y traerme algo especial, porque yo puedo escuchar o ver lo cotidiano con sólo salir a la calle, y yo no considero que sea arte”.

Un irresuelto problema de adicción a las drogas deterioró su ya de por sí frágil contextura. Evans vivió sus últimos años atormentado por la idea de la muerte. El inmenso dolor por el fallecimiento de su hermano Harry lo llevó a dedicarle el tema “We Will Meet Again” (“Nos volveremos a encontrar”), y un álbum de 1977 lleva el título “I Will Say Goodbye” (“Diré adiós”).

El lunes 15 de septiembre de 1980, Bill Evans murió en la ciudad de Nueva York como consecuencia de una úlcera gástrica.

Y siga el baile

2009-11-30T15:44:00.001+01:00

Uruguay tiene nuevo presidente.

Patricio Jiménez (1943-2009)

2009-11-25T02:28:00.010+01:00

Chacarera del Expediente (prohibida por la dictadura)

Se murió Patricio Jiménez, el que junto con "Chacho" Echenique formara el Dúo Salteño, una de las expresiones más originales y profundas de la música folklórica argentina, capaz de gustar a quienes no somos necesariamente aficionados al folklore.
El dúo nació en 1967 bajo la dirección artística de Gustavo Cuchi Leguizamón, el gran pianista y compositor. La característica del dúo eran las particulares armonizaciones a dos voces: arriba, la voz descarnada, lacerante de Echenique. Abajo, Jiménez, entonando melodías enrevesadas, llenas de altibajos, como la Puna. Juntos, generando una textura vocal única, lírica y disonante.
En una primera etapa, el dúo existió hasta 1992, en que por las duras condiciones que atravesaban sus miembros (que incluyeron lindezas como proscripciones políticas, maltrato por parte de las discográficas y ninguneo a manos de programadores), se separaron. Volvieron a juntarse en 2005 y estuvieron activos hasta hace dos meses, momento en que Jiménez sufrió un derrame cerebral. Posteriores complicaciones fueron las que le ocasionaron la muerte.
Pese a las adversidades, el Dúo Salteño siempre contó con seguidores fieles que se encargaron de preservar su obra. Si bien las discográficas no fueron particularmente cuidadosas, buena parte de sus álbumes se encuentra en blogs mantenidos por aficionados.

Una (posible) solución al (crónico) conflicto político en Argentina

2009-11-22T04:47:00.011+01:00

No es mía la idea, sino de un amigo que me supera ampliamente, tanto en sabiduría como en ingenio.
En pocos días uno se entera que desde el gobierno de Macri (un prodigio de gestión, que entre sus logros está la creación de una task force dedicada a apalear indigentes) se espía a propios y ajenos, que Aníbal Fernández (Jefe de Gabinete de un gobierno en que, como Porcel y Olmedo también son expertos en pinchazos), presa de un terrible cansancio moral, dice "por mucho menos Nixon renunció". Macri no es Nixon y ya piensa en el 2011.
El radical Ricardo Colombi, que ganó las elecciones en Corrientes desde una postura opositora, ahora parece que se volvió oficialista, en una voltereta como la ya inmortalizada (lamentablemente para él) por el inefable Borocotó.
Eduardo Arnold, ex vicegobernador de Santa Cruz (y hoy enfrentado a la presidente) asegura que "Kirchner era muy boludo", aunque no aporta muchas pruebas. Mas bien parece un vivo bárbaro.
Nacha Guevara, que fue candidata a diputada en tercer término por el FpV de la Provincia de Buenos Aires, anunció que no asumirá su banca. La situación es compleja, porque Nacha era una candidata testimonial, que es una manera épica de denominar lo que en lenguaje popular se conoce como trucho. En otras palabras, Nacha se presentó a sabiendas de que no iba a asumir. Es un dilema. La oposición asegura que es una burla al electorado, en tanto que desde el universo nac & pop se afirma que es una prueba de que Nacha cumple, y que ya que está, que la sigan chupando. Más reflexivos, algunos sostienen extraoficialmente que Nacha se compenetra tanto con sus personajes que no diferencia realidad de ficción, y esto vendría a ser para ella una especie de renunciamiento histórico.
Juan Belén, dirigente de la Unión Obrera Metalúrgica (gremio que, como su nombre lo indica, es heavy) dice que la CTA es "una zurda loca", pero después se arrepiente. La CTA lo que pide es su personería gremial como central sindical alternativa a la CGT. Ciertamente, algunos países como Alemania o Italia sostuvieron un modelo de sindicatos similar al todavía vigente en Argentina durante unos cuantos años en la primera mitad del siglo veinte. Otros, como España, hasta fines de los '70. Todos ellos lo abandonaron, pero tampoco es cuestión de andar copiando a los europeos, sobre todo a los de ahora. Tampoco a los de la OIT.
Volviendo al principio del post, y vista la gravedad del conflicto político argentino, desde este humilde y a veces cochambroso blog, sugerimos, rogamos, imploramos a los antes citados, (y a todos aquellos que cumplan con igual grado de integridad y decoro la sagrada misión de conducir los destinos de la Nación) que tengan la amabilidad de acometer una guerra de tortazos al mejor estilo Los Tres Chiflados. El combate podría ser televisado por Canal 7 e inclusive podría dar lugar a un ciclo que lleve el nombre de Tortazos para todos.

A decir verdad, esto probablemente no solucionaría ningún problema pero tampoco empeoraría las cosas, y al menos divertiría a los más chicos, que al fin y al cabo deberían ser los únicos privilegiados. Algo es algo y no es cuestión de andar desaprovechando oportunidades.

Se viene la nueva política

2009-11-17T12:54:00.006+01:00

Como no deja de suceder últimamente, no paran de llegar buenas noticias desde Argentina.

El mundo todo sabe los difíciles momentos que los argentinos tuvieron/tuvimos que atravesar durante los difíciles años de 2001-2002. Entonces, ante el agotamiento de un sistema y asqueada por el comportamiento de una dirigencia corrupta, venal y prebendaria (amén de incompetente, ineficiente y taimada), la ciudadanía salió a las calles al grito de "que se vayan todos". Algunos, los que tuvieron un ápice de dignidad (no más), oyeron el reclamo popular y se fueron. Otros también lo oyeron pero se quedaron, sabedores de que no todo se había perdido y aún había algo de lo que agarrarse.

Tarde pero seguro (que todavía está libre), parece ser que el recambio tan esperado está por llegar, y viene de la mano de un aliado incondicional del gobierno de Fernández Kirchner o viceversa: el dirigente quilmeño Marcelo Mallo, hombre de Aníbal Fernández (jefe de gabinete del gobierno argentino) y Rudy Ulloa (otrora chofer de Kirchner y hoy poderoso empresario de medios).
Mallo es un hombre vinculado al fútbol, una de las máximas prioridades (si no la mayor de ellas) del gobierno argentino, y tiene además un fluido contacto con las barras bravas, esos grupos de simpáticos y traviesos muchachos que alientan incansablemente a sus equipos favoritos con sus ocurrencias, cánticos, fervor indomable y algún que otro herido de bala.
La propuesta de Mallo, líder de Hinchadas Unidas Argentinas (HUA), al parecer inspirada en otra ONG, Nuevos Horizontes para el Mundo, pasa por dos ejes. Por un lado, aportar votos y fiscales al peronismo, y por otro, contribuir al fin de la violencia en el fútbol.
En una entrevista concedida a la agencia Diarios y Noticias (DyN) y transcripta por casi todos los medios argentinos y algunos del exterior, Mallo desarrolla su idea:
"Los hinchas de Chacarita son de 21 villas, si se convierten en dirigentes sociales y trabajan en los barrios, mañana son herramientas que tiene el gobierno a disposición. Acá tenés votos. ¿Se vienen internas y yo quiero fiscales? Pregunto a los muchachos, ¿vos cuántos me traés?"
Y agrega:
“Hoy tenemos muchos patos tuertos (se refiere a los punteros tradicionales) que van por la prebenda, cada uno hace la suya. Encontrás a mercenarios que le das alimentos y después los venden. Ellos (los barras) viven de su negocio lícito, de la tribuna. ¿Quien se niega a que venga un turista y le pague 200 euros por ver a Boca desde un paravalanchas? Yo les pregunto: `¿Vos me traés 100 fiscales? ¿Me traés 5 mil votos?´ Yo con eso le compito a Moyano”.
Acerca de la violencia (de la que él mismo es acusado), dice:
"es todo mentira, a lo sumo puedo pegar algún grito, pero nada más. No hago nada por dinero, sino porque lo siento, como esto con los muchachos de las hinchadas"
y cuando se le consulta acerca de la presencia de pesados como "Pillín", el jefe de la barra de Rosario Central, Mallo no duda en afirmar:
"Le pedimos, Pillín, no queremos más quilombo en Rosario, hay que unir a los hinchas"
"Si en Rosario para un clásico podemos bajar la cantidad de mil policías a 400 estaremos dando un gran paso"
Es cierto que algunos barrabravas están acusados de cometer delitos, y ante ello, Mallo asegura inflexible:
"que lo arreglen ellos"
Desde este humilde blog, le deseamos el mayor de los éxitos a los muchachos del tablón, y si necesitan algo, no tienen más que pedirlo. Les damos todo lo que tenemos, pero por favor no nos hagan nada.

Industria Pesada

2009-11-17T12:20:00.003+01:00

Si Fred Frith explora la guitarra desde una perspectiva de la obtención de timbres variados, su música tiene ciertamente un anclaje en la música más convencional. Hay un cierto lirismo en lo suyo, aunque a algunos pueda extrañar.
Una buena muestra de esto es este video de una presentación suya en Polonia en 2006:

Otra es la historia con Keith Rowe, también británico, y un campeón de la guitarra preparada. Lo suyo es definitivamente más duro. Si bien hay similitudes, Rowe esquiva los sonidos convencionales y se inclina por un enfoque industrial.
En esta entrevista habla de su música y muestra algunas técnicas.

Otro video ilustrativo, aquí.

Ruidos y Ruiditos: Fred Frith

2009-11-15T07:22:00.002+01:00

Un muy, muy, muy, pero muy (por si no queda claro) interesante explorador de posibilidades, digamos no convencionales en la guitarra es Fred Frith, conocido por su trabajo con el grupo Henry Cow, con Naked City (dirigido por John Zorn, adonde Frith tocaba el bajo) y con sus grupos propios.
En este breve video, Frith muestra algunas de sus técnicas en guitarra. Al principio aclara que es su primer workshop, y por ser la primera vez, no está nada mal.

Golondrinas

2009-11-02T03:22:00.006+01:00

En una incursión por el Dimeadozen, me encontré con algo muy tentador, intitulado Steve Swallow & Bohuslän Big Band - Jazzbaltica 2009 DVD (PAL).

Habida cuenta que el gran Steve Swallow es desde que tengo memoria uno de mis músicos favoritos (el bajista eléctrico de jazz por definición y uno de los más formidables y originales y prolíficos compositores del jazz de la década del '60 a la fecha), me tiré de cabeza, y pude averiguar que se trata de un concierto realizado el 4 de julio de este año en Salzau, Alemania, en el que Swallow presenta (por primera vez, que yo sepa) arreglos para Big Band sobre sus propias composiciones. En un punto es una sorpresa (gratísima) y en otro algo que ya era hora que sucediera. Con la profesora que tiene en casa, el bueno de Steve no tiene ninguna excusa para decir que "no sabe como construir un voicing" o "tiene dudas respecto de tal o cual combinación instrumental". Le pregunta a la patrona y listo.
De más está decir que tanto la composición como los arreglos como la ejecución, son de un altísimo nivel, y es un concierto muy disfrutable.
Investigando un poco más, encontré la página de la Bohuslän Big Band, una reseña del disco Swallow Songs (y aquí otra), que grabaron en 2007, y pude saber que Bohuslän es una de las 25 provincias de Suecia (el país con más Big Bands por km2, de esto me enteré años atrás, cuando compré el excelente disco Plays the Music of Helge Albin, a cargo de la Tolvan Big Band, editado por Naxos Jazz ).

Un músico que da miedo

2009-10-21T04:03:00.007+02:00

Hace unos días me metí en una tienda de venta de objetos de segunda mano. Suelo entrar a mirar si encuentro algo que me interese a un precio ridículo. De más está decir que casi siempre lo único que veo son cosas inútiles y más caras que si fueran nuevas.
No fue este el caso. En el sector de DVDs encontré unos cuantos a precios absurdos, algunos de ellos pertenecientes a las colecciones editadas originalmente por diarios, y otras de cine clásico (tres películas por DVD) vendidas anteriormente en kioskos.
Asi fue que compré varios DVDs y en algunos casos ni miré bien qué es lo que había en cada uno. Al llegar a casa me encontré con la novedad de que en uno de ellos estaba la versión original de The Little Shop of Horrors, un más que simpático y divertido bodrio de 1960 dirigido por el inefable Roger Corman, y que con el tiempo se transformó en una película de culto, al punto que en 1986 se hizo una remake del film.

Mi padre tenía la costumbre de mirar televisión hasta que terminaba la programación del día, y yo solía quedarme con él. Una noche anunciaron esa película, La Tienda de los horrores, y me acuerdo que nos reímos bastante con las peripecias de Seymour (me acordaba del nombre) y Audrey, su planta carnívora, así que me dispuse a verla, y lo primero que me sorprendió fue la banda sonora, muy Third Stream, y llamativa para una película Clase B filmada en dos días.

Al segundo apareció la explicación a todo esto: no estaba al tanto de que la banda de sonido estaba a cargo de Fred Katz, un músico por quien siempre tuve una gran admiración. Katz, para quienes no lo identifican, fue el cellista del quinteto de Chico Hamilton sobre todo durante los años '50, pero también es pianista, compositor y antropólogo (ver este otro artículo) y a los 90 años, continúa activo.

Que lo disfruten, y si alguien les quiere regalar una planta carnívora digan que no. Es preferible un ficus. Ocupa menos lugar y cuesta menos mantenerlo.

Gnu Trio en Huesca

2009-10-06T03:45:00.006+02:00

El pasado viernes 5 de junio, el Gnu Trío (lo que equivale a decir Marcelo Peralta, Andrés Litwin y un servidor) se presentó en Huesca, en el norte de España, dentro del ciclo de conciertos anuales de la Peña Alegría Laurentina, una asociación cultural que ya lleva muchos años produciendo actividades en la ciudad.
Fue una gran velada en la que, para variar, fuimos recibidos muy bien por la gente del lugar como Eusebio, Jimmy (webmaster y hombre-orquesta) y toda la gente de la Peña. Tocamos en un salón muy amplio (que alguna vez fue un frontón en el que se jugaba Jai-Alai), lo que al principio nos asustó un poco por la acústica que suelen tener estos lugares, pero el desempeño de la gente del sonido fue impecable, tanto en nuestro caso como en el de Kaulakau, el grupo que nos precedió.
Queremos agradecer a todos ellos y también a nuestro amigo Jesús Moreno, que fue quien ofició de nexo para que fuéramos a tocar a su ciudad como parte de la serie de conciertos de presentación de nuestro álbum.
Les dejamos dos videos tomados en ese concierto, India de John Coltrane, y Gnu Stomp, una composición mía.

Sabrán disculpar...

2009-10-06T02:56:00.003+02:00

Este no es un blog futbolero ni deportivo (ni yo tampoco, ya que estamos), pero cuando uno ve a un tipo usar la cabeza, y tan bien, juro que da envidia.
Ocurre que lo de Palermo viene ya de muy lejos.

Adiós y gracias por todo

2009-10-05T04:04:00.004+02:00

Mercedes Sosa (1935-2009)

Martillo Hammer

2009-10-04T18:49:00.021+02:00

En este momento jazzrockero, de reescucha de mucha música de otra época, reafirmo un gusto y una admiración por un músico sobresaliente y un innovador en toda regla.
Jan Hammer nació en Praga en 1948 en una familia de músicos. Empezó a tocar el piano a los cuatro años y fue un niño prodigio. Formado en la música clásica, se interesó luego por el jazz y el 30 de agosto de 1968 (solo diez días después de la invasión de la URSS a su país) grabó en Munich Maliny, Maliny, su primer álbum solista. De ahí se fue a Boston, a estudiar en Berklee, sin intenciones de volver a su tierra.
En sus primeras épocas como profesional en los EEUU destacó su trabajo con la cantante Sarah Vaughan, pero el verdadero salto de Hammer tuvo lugar en 1971, a raíz de su participación en la Mahavishnu Orchestra, en la que tocó no solo sus instrumentos originales (el piano y el órgano) sino los nuevos instrumentos de la época, de los que se transformaría en un gran maestro: el piano eléctrico y el sintetizador, en particular el Minimoog.
Hammer comenzó a hacer un uso extensivo del Minimoog a partir de Birds of Fire, el segundo álbum de la Mahavishnu Orchestra, grabado en 1972, y sus rasgos más importantes fueron, además de un cuidadoso trabajo en la obtención de sonidos y timbres, el uso magistral del pitch-wheel, una rueda situada a la izquierda del teclado y que cumple la función de alterar (en sentido ascendente o descendente) la nota tocada. Cabe aclarar que el Minimoog es un instrumento monofónico, lo que equivale a decir que solo puede producir una nota por vez.
Si a su condición de gran pianista se le suma la de organista, es esta una buena razón para explicar su habilidad para crear timbres sintetizados, pero el uso del pitch-wheel, un recurso de un enorme potencial expresivo, hizo que un sintetizador, en manos de Hammer, tuviera una profundidad impensada, contradiciendo todos los prejuicios en contra de los instrumentos electrónicos.
La Mahavishnu Orchestra se separó a fines de 1973, y a partir de esa época (ya de antes, en rigor de verdad) grabó muchísmos discos en los que se puede apreciar su musicalidad. Algunos de ellos son ya clásicos, como Spectrum, de Billy Cobham, o Like Children, en colaboración con Jerry Goodman (adonde toca también la batería), Wired, con Jeff Beck (con su gran éxito Blue Wind) o Timeless, con John Abercrombie.
Hammer también participó en otros álbumes de la época, menos conocidos pero no por ello menos buenos. Destacan On the Mountain, de Elvin Jones, Some Shapes to Come y Terra Firma de Steve Grossman y Helen 12 Trees de Charlie Mariano.
En cuanto a su carrera solista, después del disco con Goodman, inició una nueva etapa a partir de 1975 con The First Seven Days, basado en la versión bíblica de la creación del mundo. A este álbum, grabado casi en solitario, con la ocasional colaboración del violinista Steve Kindler y el percusionista David Earle Johnson, siguió la formación del Jan Hammer Group, con Kindler, Fernando Saunders al bajo y Tony Smith a la batería. Con ellos grabó el extraordinario Oh Yeah?, después Jeff Beck with the Jan Hammer Group Live y por último Melodies, de 1977, un trabajo más orientado hacia la canción.
A partir de su trabajo siguiente, Black Sheep, grabado casi todo en solitario, Hammer se fue volcando más y más hacia el rock, colaborando con el guitarrista ex-Santana y ex-Journey Neal Schon, entre otros.
El resto es más o menos conocido: a mediados de la dácada del '80, Hammer logró un gran éxito como compositor de la banda de sonido de la serie Miami Vice, y se estableció como algo que, por lo visto, siempre quiso ser, guitarrista de una banda de rock.

Mahavishnu Orchestra

2009-09-29T06:10:00.008+02:00

Hace un tiempo decidí volver sobre la música de John McLaughlin y Mahavishnu Orchestra, mi banda preferida de jazz-rock, a la que escuchaba mucho en la época en que empecé a tocar (hace ya más de treinta años). Estas cosas de la modernidad hacen que hayan aparecido y estén disponibles muchas grabaciones de conciertos en audio y video que antes eran rarezas absolutas. Ahora lo son cada vez menos.
De un concierto en el Palace Theatre de New York el 7 de noviembre de 1973, un medley con Hope y Celestial Terrestrial Commuters, dos composiciones incluidas en Birds of Fire, mi álbum favorito de la banda y en mi opinión, la gran obra maestra del jazz-rock.

Bob Moses

2009-09-22T04:10:00.005+02:00

Como muchísima gente, conocí a Bob Moses a través de los discos de ECM, principalmente Bright Size Life, de Pat Metheny, y un gran favorito mío, Dreams So Real, del quinteto de Gary Burton (un dream team con Pat Metheny, Mick Goodrick y Steve Swallow), dedicado a la música de Carla Bley.
Hasta ese entonces (recuerdo también un álbum de Hal Galper en el que también tocaban los Brecker), Moses era "solamente" un gran baterista. El punto de inflexión fue cuando conocí su libro Drum Wisdom, un texto extraordinario que podría pasar como un libro sobre batería en el jazz, pero que en realidad es un gran tratado sobre el ritmo en el jazz y demás músicas afroamericanas. Y en estas músicas, queridos amigos, el ritmo no es todo, pero sí lo fundamental.
Además de un gran baterista y pensador, Moses es un notable compositor y bandleader. Sus álbumes, como el clásico When Elephants Dream of Music, son prodigiosos por su originalidad, además de estar magníficamente interpretados.
Aquí arriba, un solo de batería durante un concierto con el grupo de Burton (se ve también a Goodrick y Swallow, y semioculto, probablemente Metheny), una presenación con el trio del pianista Steve Kuhn con Harvie Swartz en contrabajo (partes 1 y 2) y una muy buena versión de The Touch of Your Lips junto a Jim Hall en guitarra y Steve Swallow en bajo acústico. Intuyo que esta grabación es parte del Berlin Jazz Guitar Workshop de 1967 (hay un álbum grabado ahí que incluye una verión de Careful, de Hall con el mismo trío), y en ese caso, Moses tendría solo 19 años.

Come Together

2009-09-16T01:10:00.009+02:00

Hace casi dos años, en octubre de 2007, anduvo por Madrid Louise Dam Eckardt Jensen, una excelente saxofonista danesa. Louise es amiga de Andrés Litwin, mi compañero en el Gnu Trio. Se conocieron en la época en que ambos vivían en Holanda, donde formaron un grupo,Tre, que se disolvió poco antes de la venida de Louise a España.
Con ese estado de cosas, decidieron hacer un par de presentaciones a dúo, y Andrés tuvo la gentileza de invitarme para participar en un par de conciertos en El Despertar.
Les dejo una pequeña muestra, Come Together, de los Beatles, del concierto del 13 de octubre de 2007.

Para bajar, haga click aquí - Download here.

Jeff Williams

2009-09-13T05:04:00.006+02:00

Escuché por primera vez en vivo a Jeff en New York, en 1998, acompañando a Marc Copland, quien tocaba todos los lunes en Cleopatra's Needle, un restaurant en Broadway y 92, acompañado por distintas secciones rítmicas. En esa oportunidad el bajista era Drew Gress. Al principio no reconocí a ese baterista tan sutil como enérgico, pero después caí en la cuenta de que era alguien conocido por mí, a través de discos muy buenos, como Eon, de Richie Beirach, y fundamentalmente como parte de Lookout Farm, la banda eléctrica de Dave Liebman.
Pocos años más tarde, en abril de 2001, Jeff vino a la Argentina como miembro del trío de Lee Konitz, en el que también estaba Ron McClure.
Ahí tuve la oportunidad de tratarlo personalmente, charlamos bastante, y me regaló un disco suyo, Jazzblues, en el que, al frente de un muy buen quinteto, presenta sus composiciones. Hace poquito, paseando por su web, me encontré con la grata novedad de que había colgado Jazzblues, y también algo de música de su grupo actual.
Jeff es un baterista extraordinario y compositor original y efectivo. Esas dos cosas están siempre presentes en su forma de tocar, siempre al servicio de la música.
Que lo disfruten (y no se olviden de darle las gracias).

Entrevista a Kurt Rosenwinkel

2009-09-08T05:04:00.010+02:00

Una muy curiosa entrevista a Kurt Rosenwinkel con motivo de su participación en el Festival de Jazz de Niza, en julio de 2009
Vidéo issue de Web TV Nice www.webtvnice.com
Cette vidéo est issue du site Web TV Nice

John Surman

2009-09-05T05:25:00.006+02:00

Entre los mejores discos que escuché últimamente, está sin duda Brewster's Rooster, del saxofonista inglés John Surman, junto con John Abercrombie en guitarra, Drew Gress en contrabajo y Jack DeJohnette en batería, editado recientemente por ECM.
El álbum rescata, a mi entender, lo mejor del sonido clásico de ECM, aquel de los '70. El sello alemán fue fundado por Manfred Eicher en 1969 y ahora, en su cuadragésimo aniversario, está lanzando una serie de álbumes de artistas emblemáticos del sello, como Surman, Steve Kuhn y John Abercrombie.
Brewster's Rooster integra elementos del free, del rock y del jazz modal, siempre con la particularísima mirada de Surman, rica en melodías, ligeramente melancólica e indisimuladamente británica.
En consonancia con la aparición del álbum, All About Jazz presenta una extensa entrevista a Surman realizada por John Kelman.

Un Gentleman

2009-09-02T17:03:00.005+02:00

Bobby Hackett era conocido por no hablar nunca mal de nadie. Cuando un amigo insistió en que hiciera un comentario sobre Adolf Hitler pensó que ya lo tenía.
Bobby dijo,
"Bueno, fue el mejor en lo suyo"

(de "Jazz Anecdotes" de Bill Crow, Oxford University Press, 1990)

¿Qué tomaste, hermano? (Periodismo verdad)

2009-08-31T13:48:00.004+02:00

La semana pasada, en un anticipo de uno de los noticieros del día de C5N, apareció al aire un periodista presentando una de las notas centrales. En ella, con gran preocupación, se hablaba de "la previa" al boliche, o en otras palabras, lo que los jóvenes toman antes de ir a las discotecas, cosa de no entrar fríos, y se hablaba del Grog XD, un trago de moda. Inclusive se daba la receta (ácido sulfúrico, kerosene y grasa para ejes entre otros ingredientes).

Durante el noticiero se comentó la noticia con obvio espanto, e inclusive se le pidió la opinión especializada al Dr. Alberto Cormillot, que inocentemente preguntó "¿Qué es Scumm?", pero también dijo "supuestamente será un disparate", en el único arrebato de sensatez de toda la historia.
Y es que lo era. Alguien había mandado un mail al canal de Daniel Hadad para dar la alarma, y se ve que los responsables del noticiero (cosa rara ¿no?) no se ocuparon de verificar la información. El Grog XD (una especie de mezcladito pero más fuerte y con una onda tecno) era parte de un video juego llamado The Secret of Monkey Island, de 1990.
A esta altura uno no sabe por qué sorprenderse más, si porque no se dieron cuenta de que era una joda o si pese a no hacerlo (porque tenían la neurona ocupada en otros menesteres o lo que sea), no verificaron la información. Más aún, es raro que, siendo The Secret of Monkey Island un videogame basado en una historia de piratas, la gente de Hadad no la conociera.
Acá se puede ver la secuencia completa, tomada del programa TVR. Al menos, el bueno de Cormillot tuvo la decencia de pedir disculpas.
En una de sus películas, Woody Allen hace una bajada al infierno en ascensor y uno de los pisos está reservado para "la prensa". Parece que van a tener que habilitar otro.

God Bless Eric Dolphy

2009-08-31T11:56:00.003+02:00

Les dejo una nota que escribí hace muchos años. Fue publicada originalmente por Revista Clásica en marzo de 2001.

LO QUE EL VIENTO NOS DEJÓ

(por Guillermo Bazzola)

"Al escuchar música, una vez que terminó, se va con el aire. Nunca puede ser capturada otra vez".

Las palabras de Eric Dolphy resuenan como un eco del más allá en el instante final de Last Date, esa suerte de obra póstuma, su última grabación (no autorizada, por supuesto) que recoge una actuación en Hilversum, Holanda junto a un grupo de jóvenes músicos entre los que estaban el pianista Mischa Mengelberg y el baterista Han Bennink.

Dolphy había nacido en Los Angeles en 1928. Su debut discográfico se produjo en 1949, como miembro de la banda de Roy Porter, y durante los años siguientes, su actividad fue más bien errática. En 1956 grabó con el cantante Ernie Andrews en una orquesta dirigida por Benny Carter. Luego empezó a trabajar con la big band de Gerald Wilson, y recién abandonó la categoría de desconocido al ingresar al quinteto del baterista Chico Hamilton.

En 1958, el vientista Paul Horn, que había sucedido a Buddy Collette, dejó la banda. "Mi hermano Bernie, el Capitán Dobby de la serie Starsky & Hutch, me dijo que debía escuchar a este amigo suyo de la secundaria", recuerda Hamilton. Dolphy, ejecutante consumado de saxo alto, flauta y clarinete bajo, ingresó al quinteto, con el que aparece en la conocida película Jazz en una Noche de Verano, filmada durante el Festival de Newport.

Para Hamilton, Dolphy fue "uno de los músicos más dedicados que he conocido. La música fue su vida, y a veces la pasamos mal porque el público no estaba preparado para él". Estuvo en el grupo poco más de un año, y luego partió hacia la inevitable New York con la orquesta de Sy Oliver, que acompañaba a Sammy Davis Jr.

Allí empezaba otra historia. Además de comenzar su carrera solista, con el formidable Outward Bound, grabado en abril de 1960, Dolphy iniciaba una serie de sociedades con otros grandes músicos de la época: Charles Mingus, John Coltrane, Ornette Coleman, Oliver Nelson, Booker Little.

Con Little, un extraordinario trompetista y compositor de sólo 22 años, grabó en diciembre de 1960 Far Cry, un álbum fundamental que incluía Miss Ann, probablemente la más conocida de sus composiciones. Al año siguiente, en julio de 1961, aparecieron juntos en las célebres sesiones del Five Spot Cafe con Mal Waldron, Richard Davis y Ed Blackwell. La intempestiva muerte de Little en el mes de octubre, lo privó de uno de sus más cercanos colaboradores.

"Trane tomó pocas decisiones musicales importantes sin consultarlo primero", dice Bill Cole en su biografía de John Coltrane, quien era amigo de Dolphy desde principios de los 50's. Su manera de tocar era muy distinta: Coltrane fluido y Dolphy entrecortado y angular. Tal vez por eso se complementaban a la perfección. En mayo de 1961, grabaron Ole Coltrane, el último álbum de Trane para Atlantic y Africa Brass, la primera sesión para Impulse, ésta con el grupo de Coltrane (experimentando con dos contrabajos) y una orquesta arreglada y dirigida por Dolphy. A fines de ese año, se presentaron en las memorables sesiones del Village Vanguard, y poco después compartieron un tour europeo.

Charles Mingus lo integró a su grupo en 1960, y aunque de modo intermitente, siguieron tocando juntos hasta 1964. Grabaron varios discos, y uno de los momentos memorables es el dueto entre el contrabajo y el clarinete bajo en What Love, donde Mingus y Dolphy hacen hablar a sus instrumentos.

La colaboración con Coleman y Nelson no fue tan extensa. De cualquier modo vale la pena notar que su participación en álbumes tan importantes (y tan distintos) como Free Jazz y The Blues and the Abstract Truth no hace otra cosa que destacar la versatilidad de Dolphy para adaptarse a contextos disímiles sin perder nada de personalidad.

En sus tres instrumentos, Dolphy fue un maestro. Con el saxo alto, mostró inicialmente una fuerte influencia de Charlie Parker, pero a medida que crecía la figura de Ornette Coleman, fue asimilando las concepciones de libertad armónica, al tiempo que su sonido se tornaba cada vez más extrovertido. Con la flauta tenía un sonido depurado, y respecto al clarinete bajo, se podría prácticamente afirmar que lo inventó como instrumento para la improvisación moderna. Salvo esporádicas ejecuciones de Harry Carney (saxo barítono de la orquesta de Duke Ellington), a este instrumento anteriormente no se le había dado demasiada importancia.

Muchas veces se lo asocia con un estilo turbulento y por momentos hiriente, pero su capacidad para interpretar las baladas es inimitable, ya sea con el saxo alto en Tenderly, con la flauta en Glad to Be Unhappy, o con el clarinete bajo en God Bless the Child.

Su interés nunca se centró exclusivamente en la música de jazz, sino que abarcó desde las músicas folklóricas de Oriente y el Africa hasta la música académica contemporánea. Se dice que gustaba ejecutar la obra Density 21.5 del compositor Edgar Varèse, y estando en Darmstadt, Alemania, asistió a un curso dictado por el gran flautista italiano Severino Gazzelloni. A él dedicó el tema llamado precisamente Gazzelloni, incluído en Out to Lunch!, su obra maestra.

Es de imaginar que un músico con influencias tan variadas lograría cristalizar un sonido original. Eso fue lo que ocurrió con Dolphy, que e ahondó como pocos en la investigación del timbre instrumental y del fraseo en la improvisación. Sus ejecuciones tenían un sesgo expresionista, casi declamatorio, a veces de una profundidad desgarradora.

El 29 de junio de 1964, nueve días después de haber cumplido 36 años, murió repentinamente, al parecer víctima de un infarto, mientras se encontraba en un local en Berlín. Gil Evans cuenta su versión: "Eric Dolphy murió de una sobredosis de miel. Todo el mundo piensa que fue por drogas, pero él estaba obsesionado por su salud. Era diabético y no lo sabía. Comía nueces y se tomaba un par de tazas de miel todos los días, y eso lo mató. Entró en coma y nunca pudo salir".

Poco antes había aparecido en dos álbumes extraordinarios: su Out to Lunch!, con Freddie Hubbard, Bobby Hutcherson, Richard Davis y Tony Williams, y Point of Departure, del pianista Andrew Hill, junto a Kenny Dorham, Joe Henderson, Davis y Williams. Nadie podría afirmar con certeza cuales hubiesen sido sus próximos pasos, pero Out to Lunch! lo presenta ya no sólo como un instrumentista excepcional sino también como un compositor de gran estatura.

En todo caso, sólo resta agradecer a los productores e ingenieros de sonido por haber estado en el momento justo, pero sobre todo al viento por haber tenido la generosidad de dejar de soplar oportunamente, y de esta manera contribuir a la perpetuación de la obra de un artista incomparable.

Derechos Humanos en Argentina

2009-08-29T04:05:00.007+02:00

Entrevista televisiva a Adolfo Pérez Esquivel (Premio Nobel de la Paz 1980, en plena dictadura militar).
La segunda parte de la entrevista, aquí.
Como dato curioso, la noticia de la entrega del Nobel a Pérez Esquivel, tal como fuera transmitida por Radio Colonia (de Uruguay) por el inconfundible Ariel Delgado. Incluidas, unas referencias a declaraciones de Jorge Luis Borges respecto de la situación de los DDHH en Argentina en ese momento.

¿Un Cocktail Fatal?

2009-08-28T21:59:00.016+02:00

A raíz del post sobre McCoy Tyner y los guitarristas me acordé de una cosa que se suele decir y repetir hasta el cansancio, acerca de la inconveniencia de combinar piano y guitarra en un grupo de jazz. Esta afirmación, lejos de lo que se puede pensar, no representa el pensamiento de un sector o clase social determinado. Inclusive, es una creencia compartida por personas con un coeficiente intelectual superior a 40, lo que demuestra que, coincidiendo con Albert Einstein y Claude Chabrol, la estupidez no solo es la más difundida de las características humanas sino la más democrática.
Esto me hizo acordar inmediatamente de la tan mentada prohibición de mezclar sandía con vino, hecho que como todos sabemos, provoca una muerte segura, aunque no se sabe muy bien en cuanto tiempo. Quizá no de manera inmediata, pero seguro que en un plazo no mayor que los 95 años a partir de la ingesta.
A poco de llegar a España, hace casi ocho años, me enteré que aquí no existe esa prohibición (tampoco otras cosas como la policía que manguea pizzas o los clubes de jazz que hacen pagar el sonido a los músicos), y pese a todo, los españoles siguen disfrutando de la sandía y su proverbial buen vino. Cuando digo "siguen disfrutando" me refiero es que a la fecha, no se conocen casos de ciudadanos petrificados, y por lo tanto muertos, por realizar la fatídica combinación.
Para desasnarme (¿o desaznarme, dado que estoy en España?), me puse a investigar y encontré una interesante explicación al fenómeno. Interesante pero que me dejó peor que antes.
Imagínense mi duda, mi preocupación, mi desconfianza. Años y años evitando mezclar y llego acá y los tipos, muy sueltos de cuerpo, sin indigestarse siquiera. ¿Por qué? ¿es que acá la sandía o el vino o (ambos) carecen de la sustancia que produce el envenenamiento? Nunca lo supe, pero esta duda, que me produjo no pocas noches de insomnio (matizadas con sandía y vino, obviamente), me ha llevado a una conclusión que puede parecer descabellada pero para mí no lo es: Los españoles (y quizá también los finlandeses, bielorrusos y habitantes de Timor Oriental, aunque esto último no me consta) pueden comer sandía y tomar vino sin siquiera inmutarse sencillamente porque desconocen la prohibición.
En sintonía con esta idea podríamos concluir diciendo que McCoy Tyner llama no a uno, sino a cinco guitarristas porque no sabe que el resultado musical es entre malo y nefasto. ¿Ignorancia? ¿temeridad? ¿iconoclasia? No lo se, pero en todo caso, hay peligrosos antecedentes: Bill Evans y Jim Hall, Marc Copland y John Abercrombie o Vic Juris, Abercrombie con Richie Beirach y Andy Laverne, Oscar Peterson con Barney Kessel, Herb Ellis o Joe Pass.
Leyendo la explicación del experto encuentro esto:
" Para los experimentos se utilizaron especímenes de Alouatta Caraya, comúnmente denominados monos carayá o monos aulladores; especie que fue elegida por su similitud fisiológica con el ser humano (...). Experimento 1: Un grupo de diez monos carayá, con un peso que variaba entre 2 y 7 kg, fue alimentado por medios coercitivos con sandías de un peso medio de 3,450 kg regadas con abundante vino. Al final del día, todos los monos mostraban signos visible de haber muerto, luego de haber ingerido cada uno un promedio de 3,8 sandías y 12.700 cm³ de vino"

Ahí empiezo a entender un poco más la cosa. Creo que lo mismo puede ser llevado al plano de la música.
Propongo un método por demás científico:
1) Fórmese un cuarteto de jazz con la siguiente instrumentación:
a) un instrumento de viento o metal (saxo, trompeta, trombón, clarinete, cualquiera de ellos)
b) un instrumento armónico (guitarra o piano, uno a elección, bajo ningún punto de vista los dos al mismo tiempo)
c) una sección rítmica consistente de bajo acústico (o eléctrico) y batería.
2) De los mencionados en los puntos b y c, dos de ellos tienen que demostrar incompetencia manifiesta para tocar jazz, a saber:
a) tener incapacidad para escuchar a los demás miembros de la banda e interactuar con ellos.
b) ser completamente insensibles a los cambios de matices, dinámicas, timbres y densidades sonoras. También a las posibles sustituciones armónicas que pudieren ocurrir durante la interpretación.
3) Escójase un tema usual del repertorio de jazz, preferentemente un standard. Es importante que este tema sea una composición conocida y homologada por el paso del tiempo. Pueden ser temas muy conocidos como All the Things You Are o Stella by Starlight. Eventualmente otros menos transitados como Long Ago and Far Away o How Deep Is the Ocean.
4) Provéase a la banda de un Real Book o libro similar.
5) Procédase a la interpretación de la pieza seleccionada.

Al cabo de instantes (no más de 2 o 3 minutos), la pieza ejecutada estará como los monitos alimentados con vino y sandía.

McCoy Tyner Trío + Bill Frisell & Gary Bartz

2009-08-28T18:40:00.005+02:00

Están todos bien, no se preocupen...
Desde siempre, McCoy Tyner fue un favorito mío, por escucharlo con Coltrane, obviamente, pero también por su propia producción. Los primeros discos suyos que escuché, hace ya mucho tiempo, son los que hizo en la década del '70, principalmente para el sello Milestone, discos como "Supertrios", "Focal Point", "The Greeting", "Fly With The Wind". Mis favoritos de esa época, "4 X 4" y "Together", más algunas partes de "Dimensions" (un album un poco posterior).
Después conocí sus trabajos anteriores, adonde hay joyas como "The Real McCoy", "Tender Moments" o "Expansions". Y después vinieron nuevos álbumes, con big band, a piano solo, en trío, con diversos grupos. Inclusive tuve la oportunidad de conocerlo personalmente en ocasión de su visita a Buenos Aires (habrá sido en 1996 más o menos). Acompañé a Diego Fischerman, que tenía que hacerle una entrevista para el diario. Nos vimos ahí en el hotel de Corrientes al 800 y compartimos el almuerzo. El gran McCoy me impresionó por su amabilidad extrema y sus modales exquisitos. Por la noche fue el concierto y, para variar, llegué unos minutos tarde. Cuando abrieron la puerta de la sala, me recibió una estampida sonora increíble. McCoy era un viejo conocido pero nunca lo había visto en vivo, y realmente me impresionó. Es que en McCoy conviven armoniosamente la fuerza más salvaje con el lirismo extremo.
Hace poquito salió un nuevo álbum suyo, "Guitars", en el que un trío (Tyner, Ron Carter y Jack DeJohnette) recibe a diversos guitarristas: Bill Frisell, John Scofield, Marc Ribot, el bluesman Derek Trucks y el banjoista Bela Fleck. El resultado es variado pero en todos los casos interesante.
Acaban de pasar por la televisión, y a raíz de eso me pude enterar de que es parte de una gira europea, un concierto del trío de Tyner (con Gerald Cannon en bajo y Eric Gravatt en batería) con dos invitados, el saxofonista y antiguo colega Gary Bartz y Bill Frisell, un nuevo amigo.
Tocan varios temas de Tyner: "Fly with the Wind", "Angelina", "Ballad for Aisha" y el eterno "Blues on the Corner".
Aquí les dejo un poco de "Ballad for Aisha", una encantadora composición que está también en "Together".

Este clip es la primera parte del tema, y abarca la melodía inicial y los solos de Cannon y Frisell. Después del muy buen solo de bajo, la dinámica crece, y hay un gran solo de Frisell, magníficamente acompañado por el resto de la banda, en lo que constituye una breve pero magistral clase de como manejar la dinámica grupal.
El solo de guitarra es eminentemente melódico y hay un pico, un momento histórico diría yo: presten atención a lo que va de 6'21" a 6'35", a lo que toca Frisell y a como reacciona la banda.
Me quedé sin palabras. Hasta otro día

Rashied Ali (1935-2009)

2009-08-17T02:47:00.004+02:00

En una semana nefasta, nos dejó también Rashied Ali, baterista vinculado mayormente al círculo del free jazz. Su grabación más famosa fue sin duda Interestellar Space, a dúo con John Coltrane, de hecho, el último álbum del saxofonista.
En este video, Ali aparece como parte de un trío con el trompetista Don Cherry y el guitarrista James Blood Ulmer.

Les Paul (1915-2009)

2009-08-16T05:09:00.006+02:00

Bueno, no es que uno se dedique a los obituarios, pero parece que la parca no da respiro.
Acaba de fallecer a los 94 años Les Paul (Lester William Polsfuss según el acta de nacimiento).
Antes de saber quien fue, ya conocía la Gibson Les Paul, mi guitarra soñada, esa que usaban Jimmy Page, John Abercrombie, en una época Jeff Beck, y la que tenía mi amigo el gran guitarrista César Silva, cuando yo tenía 17 años y estudiaba con él. La guitarra que tocaba Ricardo Lew cuando tocaba en el magnífico cuarteto de Jorge Navarro de principios de los '80 (con Ricardo Sanz y Luis Cerávolo).

Fue a través de un disco de pasta, uno de 78, que escuché por primera vez al Les Paul real. "Les Paul y Mary Ford", rezaba la etiqueta (no me acuerdo que tema era, probablemente How High the Moon), y me sorprendió, porque tratándose de un disco tan antiguo, se escuchaban cosas que, si bien ya conocía, sonaban "raras" en ese tipo de contexto. Cosas tales como sobregrabaciones o cosas grabadas a una velocidad y pasadas más rápidas. Cosas que uno asociaba, llegado el caso con el rock o la psicodelia.
Ocurre que Les Paul fue un verdadero innovador. Un joven interesado en la tecnología que, preocupado porque la guitarra no se escuchaba bien en las orquestas, empezó a ver distintos modos de amplificar el sonido. Un fonocaptor de un teléfono y una antigua radio fueron sus primeros aliados, pero tenía problemas con los acoples, así que decidió experimentar con las guitarras de cuerpo sólido, y así fue que llegó a diseñar la Gibson Les Paul, probablemente la guitarra más famosa de todos los tiempos.
Inquieto y siempre interesado en la tecnología, fue un pionero en el arte de la sobregrabación, a partir de la experimentación con un grabador de cinta abierta. A Paul se le ocurrió que a partir de algunas modificaciones en el aparato se podía grabar una nueva pista al tiempo que se escuchaba lo grabado anteriormente. Sus ideas interesaron a la firma Ampex, que lanzó a la venta el primer grabador multipista en 1955.
Pero antes que todo esto, Les Paul fue un gran guitarrista, y estuvo activo desde los años '30 hasta hace bien poco, cuando tenía más de 90 años.

Muchas cosas para un solo hombre ¿Alguien se puede imaginar la música moderna sin grabadores multipista? ¿y sin guitarras Gibson Les Paul?
Yo no.

Proust y yo

2009-08-14T19:37:00.003+02:00

Durante el mes de marzo, cuando estuve tocando en el Dolomiti Ski Jazz, en el Trentino (norte de Italia), tuve la oportunidad de conocer a mucha gente. Músicos, espectadores, críticos, etc.
Ahí conocí a Paolo Peviani, habitual colaborador de All About Jazz Italia, que muy amablemente se interesó en mi música, y además de hacer un comentario del álbum del Gnu Trio, me invitó a participar en una serie de entrevistas que publica regularmente, basada en el "Cuestionario de Proust", llamado así por haber sido el gran escritor el primero en responderlo.
Se puede leer acá (en italiano, mi dispiace), y para mi sorpresa, cuando entré a leerlo, me encontré con que otro de los entrevistados era el amigo Marcos Baggiani. Así que ahí van dos Prousts (para mí on the rocks).

George Russell (1923-2009)

2009-07-30T03:20:00.008+02:00

Buenas,
Hace mucho que no escribo, y la verdad es que hubiera habido mejores motivos, pero ha muerto George Russell, quien nunca accedió al status de estrella del jazz, pero fue sin duda una de las mentes más brillantes que tuvo la música afroamericana.
No es mi intención hacer una biografía suya. Para quien esté interesado, aquí o aquí, hay algunas.
Russell fue un grande entre los grandes, uno de los más extraordinarios innovadores de la historia del jazz, a partir de su Concepto Lidio Cromático de la Organización Tonal, que influyó a toda una generación de músicos y dejó una huella indeleble en la producción artística de una época tan fértil para la creatividad como fueron los años 40 al 60.
Russell dejó una amplia discografía, y de entre numerosos títulos, destaco Jazz in the Space Age (con Paul Bley y Bill Evans juntos, uno en cada canal), Ezz-Thetics, con Eric Dolphy, y mi favorito, The Jazz Workshop, de 1956, en el que hacía su aparición Evans, muy joven y poco conocido por entonces.
De esa época es este video:

Una verdadera joya. Russell es entrevistado y su grupo, que incluye a Evans, Art Farmer y Barry Galbraith, interpreta entre otras piezas, el Concerto for Billy the Kid, dedicado al pianista.
Otra aparición, más reciente, muestra a Russell departiendo con Ornette Coleman, y en otra, Sheila Jordan habla de su relación con Russell . Hay varias cosas en YouTube. Busquen, vean, oigan, y disfruten.

Steve Brown

2007-08-22T07:45:00.001+02:00

Todo comenzo con un email de John Stowell, quien me dijo que Steve Brown, un guitarrista amigo suyo, estaria pasando unos dias en Madrid. John suele ponerme al tanto de algun conocido suyo que anda por España, y yo hago lo proprio. Confieso que no conocia a Steve, pero desde ya que le dije a John que estaba a su entera disposicion. De este modo, recibi un email de Barbara, la mujer de Steve, quien me contaba que estarian en Madrid algunos pocos dias de principios de agosto, y lo mas interesante, que ellos ya habian estado por Madrid hacia muchos años, que Steve guardaba un gran recuerdo y unos cuantos amigos, y que buscaba comunicarse con el Taller de Musicos, que es precisamente, de las escuelas en que trabajo, aquella en la que llevo mas tiempo.
Toda esta circunstancia fue suficiente para que a partir del Taller, y gracias a los buenos oficios de Mariana, se organizaran un par de actividades (la poca antelacion y lo dificil de la fecha no dieron lugar a mas, pero esto es solo el comienzo).
De esta manera, el miercoles 8 de agosto, Steve tuvo agenda completa. Por la tarde, una clase magistral en el Taller, y por la noche, concierto en Zanzibar. Alli tocamos en cuarteto, con la inestimable presencia de José Luis Yague en contrabajo y de Jimmy Castro en la bateria.
De mas esta decir que fueron grandes momentos. Steve es un formidable guitarrista y educador, cultivador a ultranza del buen gusto, y un musico que conoce en profundidad el vocabulario jazzistico.
Fue breve pero realmente bueno. Un gusto conocer a Barbara y a Steve, y como en Casablanca, me temo que esto es el principio de una gran amistad.

Vacaciones

2007-08-22T07:29:00.001+02:00

Despues de un año largo como el que paso, uno se procura unas vacaciones, y esta vez nos vinimos a Cavalese, en el Trentino, al norte de Italia. Aqui vive con su familia un amigo de muchos años, Walter Cainelli, que ademas es un excelente fotografo.
Gracias a una oportuna invitacion de Walter, volvimos a este maravilloso lugar despues de un año y medio de haber estado. Aquella vez, en invierno, esta, en verano. En ambas oportunidades, Cavalese y todo lo que lo rodea es un lugar extraordinario.
Estas maravillosas vacaciones son el principal motivo por el cual estuve alejado del blog durante tantos dias, en un periodo de muchas novedades musicales.
Poco a poco, tratare de ponerme al dia, y perdonen por la falta de acentos, trataré de corregir lo mas que pueda (y como pueda)

Un recuerdo de infancia (a propósito de Fontanarrosa)

2007-08-02T10:39:00.001+02:00

Hace unos poquitos días publiqué un artículo bastante lacónico acerca de la muerte de Roberto Fontanarrosa. La verdad es que poco tenía (y tengo) para decir respecto de ese tema en sí. No tuve el gusto de conocerlo, no fui un lector asiduo ni de sus cuentos ni de sus historietas (Boogie el Aceitoso o Inodoro Pereyra), pero sí, siempre me gustaron muchísimo, sus chistes sueltos. Me gustaron y me atrajeron, aún en los casos en los que no entendía nada.
Cuando yo era chico, mi viejo compraba revistas de humor. Las de aquella época eran "Hortensia", "Satiricón", posteriormente "Mengano". Yo las leía, aún cuando estas dos últimas eran "no aptas para niños" (bah, al menos eso me dijo una mujer una vez cuando comenté inocentemente que mi viejo compraba "Satiricón" y yo la leía).
En alguna de ellas leí los dos primeros chistes de Fontanarrosa de los que tengo recuerdo. En uno de ellos había un tipo grandote sentado muy cómodamente en un sillón, con un vaso de whisky. Se le acercaba una nenita muy pobre y le decía "¿una monedita?" y el tipo contestaba "No, gracias".
El otro era realmente enigmático, pero me causaba gracia. Había una mujer muy voluptuosa, completamente desnuda, que solo llevaba puesta una liga en una de las piernas. Dos tipos la miraban y uno decía "Debe ser la famosa liga de la decencia". Tardé años en enterarme que la "Liga de la Decencia de Rosario" era una de esas entidades "moralizantes" (esos grupetes de pervertidos preocupados por la sexualidad de los demás) a las que tan afectos eran los curas y los milicos y que asesoraban e influían al poder de turno en tareas tan edificantes como la censura de prensa y espectáculos.

No entendía demasiado, pero me causaba gracia el recurso, decir una cosa (en sentido figurado) e interpretarlo en sentido literal. Mi viejo también había traído el Volumen 3 de Les Luthiers, el de "Ya el sol asomaba en el poniente", en el que aparecía un texto introductorio que decía "La arenga que se escucha al principio fue la que el Coronel de Cocina Lamberto Loplatto dirigió a los postres, agradeciendo en nombre de éstos un flan con crema.".
De nuevo, no entendía pero me hacía reir ¿qué podía saber yo a los diez, once años, lo que era "dirigirse a los postres"? Pero me causaba gracia, mucha. Después, no se exactamente cuando, Fontanarrosa empezó a trabajar con Les Luthiers, y yo seguí riéndome, mucho, y de lo mismo, porque ese “de lo mismo” es interminable, es algo que, paradójicamente, nunca se repite, siempre es una nueva vuelta de tuerca a lo que está a la vista de todos pero nadie ve.
Hece unos días leí en Página/12 este texto del psicoanalista Eduardo Múller, que me dio que pensar, me trajo ese recuerdo, y bueno, ¿qué mejor que rememorar esas cosas que fueron edificando nuestra personalidad? Rememorar y agradecer.
PD: ojalá tuviese a mano esos dos chistes que mencioné. Puse estos, que son de ese estilo y también me causan gracia, por lo mismo.

Para Joe que lo mira por TV

2007-07-30T18:13:00.000+02:00

Me acordé de una anécdota muy graciosa que me contaron, no me acuerdo quien ni cuando.
Parece que el bueno de Joe Pass tenía por costumbre practicar la guitarra mirando televisión. Le bajaba el volumen y se pasaba horas tocando mientras miraba la pantalla. El problema fue que una vez se le rompió el televisor y lo tuvo que mandar a reparar.
¿Que ocurrió entonces? Se pasó una semana sin practicar...

Tarde pero seguro

2007-07-29T17:24:00.000+02:00

Ocurrió hace poco más de un mes, cuando todavía no tenía el blog, así que debía este artículo, sobre todo, porque tenía ganas de escribirlo.
Todo empezó allá por mayo, cuando surgió el contacto con Monika Heidemann (de acá en más "Monika H."), una cantante radicada en Nueva York, que estaba organizando su primera gira ibérica.
Algunas fechas en España (Madrid y Valencia) y otras en Portugal (Lisboa y Oporto). Monika tenía la intención de formar un grupo en el que hubiese algunos de sus músicos habituales, y también gente que estuviera por acá. Así fue que entablamos el primer contacto, y pronto me enteré que uno de los músicos que vendría sería Ryan Ferreira, el guitarrista que suele tocar con Monika y a la batería estaba mi buen amigo y colega Andrés Litwin. El bajista iba a venir también con Monika, pero un problema de último momento hizo que no pudiera estar, y Monika no tuvo mejor idea
que ofrecerme a mí ocupar ese lugar, cosa que acepté con sumo agrado y con bastante vértigo, ya que sus composiciones son realmente originales, con muchas partes escritas, algunas un tanto complejas. Pero bueno, se supone que uno es un profesional, así que hubo que aprender bastantes cosas. Finalmente le encontramos la vuelta y logramos un buen sonido grupal. En una semana, de lunes a sábado, tuvimos dos ensayos y seis conciertos, lo que nos vino bastante bien, pero nos dejó rendidos (como se puede ver en la foto).
Las presentaciones fueron en el Bogui (Madrid), Jimmy Glass (Valencia) y luego en Portugal, en FNAC (Porto), Tertulia Castelense (Castelo do Maia, Porto), Cabaret Maxim (Lisboa) y Casa do Eira (Paços de Ferreira). En estos dos últimos conciertos se sumó Jeremy Udden, un excelente saxofonista, también procedente de NY. Una gran experiencia, tanto humana como a nivel musical.
(fotografía gentileza de Ryan Ferreira, el único que a esa altura se podía mantener en pie)

Más sobre Rivers

2007-07-25T03:31:00.000+02:00

En este otro video:

Se puede ver a lo que yo llamaría "Sam Rivers en estado puro".
Durante sobre todo la década del '70, se dedicó a tocar en trío, mayoritariamente con Dave Holland en contrabajo y Barry Altschul en batería. La misma sección rítmica que la de Anthony Braxton, y dos enfoques completamente opuestos (y complementarios). Mientras Braxton desarrollaba una música cada vez mas basada en la escritura, Rivers transitaba por los caminos de la libre improvisación.
Este fragmento, de la televisión italiana de 1979 es claramente ilustrativo. Aquí Rivers está acompañado por Holland y por el baterista Thurman Baker.
Para los interesados en profundizar en la obra de este gigante, les dejo la dirección de su página, y para los ya iniciados, el titánico trabajo de Rick Lopez que recoge sus sesiones de grabación, conciertos y todo tipo de aparición a lo largo de su carrera.

Ensayo de Orquesta

2007-07-23T13:10:00.000+02:00

En una de mis visitas por YouTube encontré esta maravilla:

Es nada más y nada menos que un grupo de tres videos (casi media hora en total) que recogen momentos de un ensayo de Sam Rivers con su orquesta, la Rivbea All-Star Orchestra. La filmación es de septiembre de 1998, y por esos días, Rivers estaba cumpliendo sus primeros 75 años. En la actualidad, radicado en Florida, sigue tocando con su trío, que si no me equivoco, es también la sección rítmica de esta orquesta.
Además de la música en sí (hay dos álbumes grabados con esta orquesta, "Inspiration" y "Culmination"), este video constituye un documento extraordinario, ya que se puede ver a Rivers dirigiendo sus propias composiciones

¡Que lo parió!

2007-07-20T23:11:00.000+02:00

Ya sabíamos que estaba enfermo y que había dejado de dibujar, pero ayer, el Negro Fontanarrosa, se nos fue del todo. No se me ocurre otra cosa que decir.

The Fringe en Madrid

2007-07-12T18:44:00.001+02:00

La semana pasada, entre el miércoles y el viernes, Madrid recibió una visita muy especial. Durente esos tres días, en el Bogui, estuvieron tocando George Garzone (saxo tenor), John Lockwood (contrabajo) y Bob Gullotti (batería), o sea “The Fringe”, el legendario grupo bostoniano que ya anda por los 35 años de existencia.
La visita de The Fringe fue inolvidable. Durante esas tres noches a sala llena, el público (había una gran cantidad de músicos, muchos reincidentes) pudo disfrutar de una música enérgica, expresiva, interactiva, profunda.
No es mi propósito comentar los conciertos, pero sí recalcar esto que decía antes: ¡35 años tocando juntos! Claro que se nota, y lo que se ve y se escucha es lo que uno podría llamar “jazz en estado puro”. The Fringe es básicamente un grupo de improvisación. Hay algunos temas, algunos arreglos, nada extremadamente complejo desde el punto de vista de la escritura. Básicamente lo que hacen es improvisar, interactuar..
En un intermedio, Bob Gullotti le comentó a un amigo “nosotros en realidad somos un cuarteto: George, John, yo y la mezcla de nosotros tres”.
¿Hace falta agregar algo más?

Aquí
hay un interesante video, de poco más de 15 minutos, que permite apreciar no solo la música del grupo sino también, por decirlo de alguna manera, su “modus operandi”.

Este
es su sitio en MySpace, adonde se puede escuchar música.

El Fin de las Ideologías

2007-07-10T14:09:00.000+02:00

Veo hoy en "El País" dos noticias que me llaman la atención.
Por un lado, en China, ejecutaron a un ex (bueno, ahora ex, obviamente) funcionario de Sanidad, acusado de recibir regalos de empresas farmacéuticas (a las que se supone que debía controlar) por un valor de 600.000 euros.
Tengo la impresión de que a estos chinos, que tienen fama de pacientes, se les va la mano. Deberían aprender de las democracias occidentales y tomarse las cosas con otro nivel de relax. Si no, miren a este alcalde del Partido Popular .
Y como no hay dos sin tres, acá va otra del PP.
¿Ven? El bigotito sí que se toma las cosas con calma.

Hablar de Música

2007-07-10T04:16:00.001+02:00

Hace unos cuantos años, a la entrada de un aula de música en una universidad en Los Angeles, había un cartel pegado que decía algo así como “Talking about music is like dancing about architecture” (“Hablar sobre música es como bailar sobre arquitectura”). Al pie decía “Thelonious Monk”.
Confieso que al principio me hizo bastante gracia la frase, y más aún viniendo de un genio irónico como Monk, pero con el tiempo fui cambiando de parecer, sobre todo basado en el convencimiento de que en muchos casos, este tipo de aseveraciones, cuanto más categóricas, suelen tener mayor afán autojustificatorio (¿existe esta palabra? Si no, la acabo de inventar, pero supongo que todo el mundo entenderá lo que quiere decir). Ignoro si efectivamente Monk dijo esto que dicen que dijo, pero en caso de que así hubiera sido, me da la impresión de que siendo, que como es bien sabido que era, un hombre de pocas palabras, intentaba poner fin a una conversación que por lo que fuera, no quería mantener.
Digo esto porque haber dicho esto es decir poco (y no nada, como se desprende de la frase). Poco y contundente. O en otras palabras, haber dicho esto es en si, una afirmación en toda regla cuyo tema central es la música.
Mas allá de Monk (o no, porque en definitiva su laconismo se refleja en una música que brilla por su concisión, no hay nada que sobre), se me hace que sí, que se puede hablar de música, y que se pueden decir cosas realmente interesantes. Basta con repasar una cantidad de entrevistas, libros o videos en los que muchos músicos (y muy buenos) se refieren a su arte o al de otros en términos ya sea valorativos o simplemente analíticos, pero que en cualquier caso proporcionan elementos que ayudan en la comprensión de determinadas obras, estilos o concepciones artísticas. Son innumerables también los casos de músicos que hablan de otros músicos que fueron quienes les “abrieron la cabeza” respecto de ciertas cuestiones hasta entonces indescifrables.
La enorme diferencia, se me ocurre, tiene que ver con lo que se dice y con su contexto. No son lo mismo las palabras que el palabrerío, y, en honor a Monk, mucho de lo que se escribe acerca de música suena a que está de más por la sencilla razón de que carece de un objetivo claro ¿para qué se escribe? ¿para exponer el gusto musical de quien escribe? ¿su capacidad literaria? ¿su conocimiento enciclopédico? ¿su simpatía o antipatía hacia determinados músicos?
En fin, toda una serie de cuestiones que es preciso plantear si uno quiere que las palabras tengan algún sentido.
Si no, mejor dormirse una buena siesta...

Finalmente...

2007-07-10T04:13:00.001+02:00

De una vez por todas pongo en el éter "Notas de Paso", algo con lo que vengo amenazando desde hace más de cinco años. Esta idea surgió en 2001, cuando todavía vivía en Buenos Aires y, a decir verdad, estaba más escritor que ahora.
Como no perdí las ganas de charlar sobre música y cultura en general (que no cultura general), se me ocurrió que no estaba mal reactivar la idea.
Así que bueno, aquí estamos, otra vez.
Pasen y vean...
GB